Lo que mis gafas ven

Gamefest 11: Feria sin feriantes

2011-10-03T08:09:00.000-07:00

60.000 personas son muchas personas, más aún cuando son ávidos jugadores de videoconsola. Ya hace tiempo que hemos superado la dicotomía de los marcianitos y todo esto. Gamefest 2011 ha reunido a 60.000 almas para ver y, sobre todo, probar, las novedades del mercado. Teniendo en cuenta que había que pagar, salvo gorrones como el que escribe, hay que hablar de éxito.

Allí estaban todas las novedades, como FIFA o PES, Uncharted, Call of Duty, Battlefield, Mario, Sonic y el 25 aniversario de Zelda. Allí parecía haber sitio para todos. Desde el jugador autista que disfruta en la soledad, y que disfruta estas ferias con cascos, hasta el chavalín que baila desaforado con la Kinect de Xbox. 60.000 en total. Uno detrás de otro.

Pero si hay una lectura de Gamefest que nos gustaría hacer desde aquí, más allá de su arrollador, esperanzador y reconfortante éxito, es que la industria del videojuego necesita ir un paso más allá. Segmentarse. No puede ser que menores de 14 años que correteen por Gamefest no puedan jugar ni a la mitad de lo que se ofrece. O que la gente que bailaba con la Kinect, tenga a cinco metros el stand de Gear of Wars, prohibido para menores.

En general la feria se ha ido a contentar al fan, a darle horas de juego y una montaña colosal de estímulos de colores. Eso está bien. Lo que no está bien es esa parte de parque de atracciones, ese ruido salvaje y esas ganas de abarcar todo, bien sazonado con azafatas pechugonas. Quizás el contenido esté mal distribuido, quizás no. Demasiado circo a veces. A los jugones se la pela mucho Xabi Alonso y quieren echar horas y horas al FIFA.

En un festival de cine distinguimos por géneros, por títulos, por clases de películas. La industria del videojuego todavía anda con las peleas entre marcas. Y claro, Sony tiene Ucharted y God of War como baluartes, pero también Move y PSP Vita. Mezclar eso en un stand es, cuanto menos, raro.

Quizás, a pesar del éxito brutal de la feria que volvemos a aplaudir, lo que nos decepcionó es que esta feria estaba dedicada al fan medio. Por eso es triste ver la saga de Metal Gear relegada a un segundo plano frente a otras cosas.

Será cuestión de tiempo. Estas ferias necesitan crecer y luego diversificarse. 60.000 es un número brutal. Enhorabuena.

Presentación de El primer naufragio: Apología del poder

2011-09-27T04:06:00.000-07:00

Pedro J. Ramírez ha publicado su primer libro histórico y lo ha presentado con todo el bombo y platillo entre el actual presidente del gobierno y el más que probable próximo. Toda una cohorte de políticos han ido a darle lustre al jinetero más popular de nuestra geografía y también a uno de los periodistas más poderosos. No sirvan estas líneas de elogio o crítica a El Mundo o a Unidad Editorial.

Pero "El primer naufragio", libro sobre la Revolución Francesa, está publicado desde el mayor oportunismo político y la mayor desfachatez contraria al sentido común. Lo que viene siendo la receta del éxito del señor del bisoñé y los tirante. Sólo decir que para poner de acuerdo a Esperanza Aguirre, José Bono y Rodríguez Zapatero, hay que tener una pluma singular. Es decir, defender el poder establecido y dar leña a las oscuras fuerzas populares.

Porque eso es lo que, a tenor de la presentación, defiende "El primer naufragio". Es como una inmensa lección didáctica para niños imbéciles a los que se nos dice que el 15M está mal, que el pueblo al final se manipula, que las urnas, controladas, son el mejor camino.

¿Será posible semejante falta de escrúpulos y de respeto? Por supuesto que sabemos que el pueblo se manipula. Sois vosotros, los que estáis en la tarima los que lo manipuláis. Reducir la Revolución Francesa al 15M y viceversa es una perverso ejercicio de infamia. Y de miedo, de terror a los movimientos que tildan de populistas y golpistas. Movimientos formados por estudiantes, jubilados y trabajadores, recordemos.

En fin, que muy precisa ha des ser la pluma del señor Ramírez para que en este momento preciso haya conseguido aglutinar a la flor y nada de nuestra política con un ingenioso ensayo de la Revolución Francesa en el que, su mente preclara, descubre que fue un fracaso de las clases bajas y un éxito de las medias.

Conan: despropósito veraniego

2011-08-20T04:39:00.000-07:00

Hace años se estrenó una película basada en los cómics de Conan el Bárbaro. Desde el primer segundo, con una cita de Nietzche, a la escena final de Conan sentado en el trono, está llena de un lirismo, simbología y cadencia mágicas. Un manejo del tempo y de la ambientación fabulosos, una historia llena de matices y una banda sonora eterna. Tan buena era que lanzo a la fama a su protagonista que ni sabía hablar. Una joya del cine fantástico que además se rodó en España.

Hoy tenemos una versión posmoderna del mismo héroe. Nos llega en el momento en que los efectos especiales están avanzadísimos y donde las ideas se han agotado. Así que era de esperar. Básicamente se trata de un videoclip mal coreografiado y sin música, no recuerdo ni un acorde de la película, en torno a un concepto de personaje desdibujado y unido por una trama argumental escrita en una servilleta. Todo en Conan, que también tiene su versión en 3D, es impostado, falso y carente de sentido. Una sucesión de escenas de acción sin sentido, épica de baratillos, nombres rimbombantes y un batiburrillo de lugares comunes sacados de las películas del género más profundo, rebuscado y sin sentido. Una amalgama de personajes diseñados visualmente por un desarrollador que no comprende ni al público adolescente al que se dirige.

Quizás sea que Conan: El Bárbaro, la película original, sea un destello brillante en un género, musculo, espada y brujería, lamentable. Pero precisamente tan brillante precursora, podría haberles servido para inspirarse un poco y explotar y actualizar el género. Pero no, es más fácil crear personajes absurdamente grotescos y hacerlos danzar en un tempo sin sentido. Desde el pesado inicio infantil al final atropellado y bochornoso. Aderecémoslo de imágenes digitales desproporcionadas e innecesarias, de sangre y violencia y también de algún pecho.

Pero seamos positivos, saquemos algo de este despropósito argumental y conceptual, de esta realización sin sentido y montaje anormal. La imagen de Conan, encarnado en Jason Momoa, sale más o menos indemne del desfile de estupideces aburridas que contemplamos. Es decir, se actualiza, se encaja estéticamente y también interpretativametne con el Conan de los cómics. Nos creemos que este Conan del siglo XXI podría protagonizar una serie de películas a cual más entretenida e intentar igualar al Conan original. Pero es sólo eso. Una buena figuración que se ha rodeado de un camión de desechos.

Juego de Tronos: El arte de la conversación

2011-08-16T05:12:00.000-07:00

Juego de Tronos ha caído como un bombazo entre crítica y público. Y tiene motivos más que de sobra. A una factura excelente se le suma un tema que siempre gusta a la gente como es la fantasía medieval. En este caso extremadamente bien llevada. Para quien no lo sepa, Juego de Tronos está basado en la serie de libros titulada Canción de Hielo y Fuego. De hecho la serie comparte título con el primer volumen.

Muchos la han comparado con "Los Soprano" pero medieval, pero esto es una maniobra de marketing más. Tampoco es El Señor de los Anillos, por más que beba sus fuentes y su protagonista. La trama es buena, pero también bastante previsible para cualquier que esté metido en el tema. Entonces, ¿cuál es la clave de su éxito?

Para mí está bastante clara: sus buenos y cimentados diálogos. En especial los que tienen lugar a dos bandas entre los personajes y en la intimidad. Por ejemplo me quedo con el diálogo entre el rey Robert y la reina Cersei cuando, amargamente, recuerdan sus tiempos de enamoramiento en el pasado y analizan de manera cínica su situación. En general todos los diálogos en los que aparece la reina Cersei son muy buenos. A pesar de su cara de estreñida malvada de cuento. Es sólo un ejemplo.

El secreto de estas escenas es comprimir en unas líneas dialogadas, lo que son regresiones y páginas y páginas del libro. Así pues consiguen condensar en un minuto el mundo ficticio en el que se ambienta la macrohistoria. Además de crear a unos personajes muy completos y complejos, con esas arrugas y matices morales tan divertidos y necesarios. En este sentido hay que decir que los personajes maduros están muy conseguidos mientras que los noveles, y por tanto con sus propios conflictos en ebullición y cambios y aprendizajes, se ven un poco debilitados junto a estos titanes con historia propia.

El resto son recursos. bastante bien ejecutados pero que siguen el carril. Pero hay momentos de gran poder y de una intensidad inusitadas. A pesar de que todo está claramente enfocado a una continuidad en el tiempo en subsiguientes temporadas.

Un ejemplo de cómo adaptar un libro a la pequeña pantalla.

Capitán América: Anestesia

2011-08-12T05:00:00.000-07:00

He leído muchas críticas benignas a favor de uno de los estrenos del verano: Capitán América. Algunas sorprendentemente benévolas en medios de renombre. La mediocridad en la que se ha instalado la industria americana espanta de las butacas, sobre todo en verano. Esperaba una mediocridad y una mediocridad me encontré.

¿Tan anestesiados estamos que no sabemos reconocer un producto montado sobre un armazón repetido mil veces? Cada película de superhéroes nos da la misma estructura, los mismos clichés y los mismos tiempos. Nada cambia y todo se contagia a otras películas de otros ámbitos. Más aún cuando la acción sigue con su extraño maridaje con el 3D, ese efecto tan desaprovechado.

Bastan tres ejemplos para mostrar como Mavel Studios ha anestesiado nuestros sentidos y hemos aceptado que un medio relativamente transgresos como el cómic americano, se haya convertido en una especie de fábrica que despacha películas mediocres como churros. Incluso la brillante, la primera vez que la ves, IronMan sigue al dedillo este manual.

-Origen: Como siempre estas películas hablan del origen del héroe. Como siempre es quizás la parte más interesante y divertida de la película por la sencilla razón de que te la conoces de memoria. La transformación de Spiderman, la creación de Lobezno, la construcción de Iron Man, todos son momentos eternos para los fans. No tanto la conversión del Capitán América, al que le inyectan un suero y luego matan al inventor.

-Chica: Si bien los superhéroes siempre tienen mujeres a su alrededor, en el cine se potencia al grado máximo la figura de las mismas. Es lógico y acertado, pero volvemos a caer en la misma redundancia. Salvo honrosas excepciones, el romance está escrito siempre con la tensión sexual.

-Equipo de colegas que molan: Si la historia de los cómics del Capitán Ameríca no está llena de secundarios de lujo, pues creamos un equipo de gente que mole, por si cuela alguno y podemos hacer secuelas. En este caso es un grupo de Fuerzas Especiales compuesto por un chino, un francés, un negro, el inútil amigo del prota y un gordo con bombín. Además este grupo de fuerzas especiales, por infame que sea, es el único filón bueno que tiene la película pero evidentemente se desaprovecha. No se entiende por qué no se intentó recrear la película al estilo bélico de Doce del Patíbulo.

Todo esto unido a un personaje que es el culmen de la mediocridad y de la corrección política y que no hace tilín y un villano de opereta que encajaría bien en otra apuesta pero no en esta amalgama que sigue el carril. Sin olvidarnos del baño "vengadores" que se le está dando para vender la franquicia del año que viene.

En fin un guiso de despropósitos consolados que puede parecer divertido durante dos horas, pero que revela a las claras que en esto del cine, los cómics no son nada arriesgados.

Cisne Negro: Ascensión salvaje

2011-03-09T06:06:00.000-08:00

Cisne Negro se puede resumir en la explosión de la escena de climax. Violenta, hipnótica, salvaje, arrolladora, seductora, sensual. Así en apenas tres minutos, precisamente el baile del Cisne Negro se condensa la esencia de una película personal e intransferible, un ejercicio de cine propio que, por una vez, ha conseguido trascender la propia visión del cineasta y saltar al otro lado de la pantalla. Reconozcámoslo, normalmente este tipo de proyectos se quedan en bazofias a mayor gloria de su creador. No es el caso de esta cinta de Aronofsky.

Es difícil determinar si es una película de terror, de aprendizaje, de género o un remake artístico y refinado de La Mosca, como muchos sesudos críticos nos han señalado. A mi me gustaría verla como la ascensión de la protagonista, un personaje que se eleva por encima de si misma para trascender y alcanzar su esencia. Así se entiende su última frase.

Para hablarnos de una ascensión mística, y casi religiosa, nos introducimos en la piel de Nina, una joven inocente que se enfrenta a un reto profesional enorme. Esta ascensión debe dejar atrás todo lo que la ataba, sus miedos interiores, su mentor, su papel como reina del espectáculo, su malsana relación materna e incluso su propia frustración sexual, para encarnarse en el personaje del Cisne Negro. Sobra decir que la propia película es una fábula del propio Lago de los Cisnes, es una historia en si misma.

Además de su lucha por alcanzar la trascendencia, Nina se enfrenta a una competidora, real e imaginaria. Quizás esta es la parte dónde la película patina un poco, una zona gris en que se pierde el pulso, el relato y también el objetivo. Demasiada tensión para plasmar y quizás una trama interna poco explotada.

Pero, hablando de explosiones, todo revienta en un final apoteósico y abrumador. La metamorfosis de Nina es completa en la escena mencionada anteriormente y aquí estalla toda la simbología. Las distintas líneas remarcadas por el director: cambio mental, físico y sexual, confluyen en una coreografía escalofriante. Un final épico y glorioso. Primitivo.

Y todo esto posible gracias a la obsesiva técnica y recursos del director, con planos violentos, cámara en movimiento y subjetividad. Pero por encima de todo está la figura de Natalie Portman. Quizás su interpretación de la comedida Nina parezca fácil pero no lo es. Su explosión final es lo que encumbra la película un torrente que arrolla a un espectador que no puede creer lo que ha pasado.

Cinco minutos. Una escena de ballet. Una ascensión salvaje.

Valor de Ley: Siguiendo el cánon

2011-02-20T13:17:00.000-08:00

Me alegro de que mi vuelta a los cines haya sido para ver una gran película. Clásica en todos los sentidos, desde el visual al narrativo, pasando por la duración y la estética. Los hermanos Coen se instalan en un canon de clásico moderno que facilita siempre acercarse a sus cintas. A veces son profundas, a veces no tanto, pero todas siguen un modelo en el que el espectador se siente cómodo. A fin de cuentas la versión original ya era buena y la de los Coen busca renovar, y quizás, llegar un poco más lejos.

Valor de Ley aplica este modelo formal para contar las trayectorias vitales de sus protagonistas. Una niña a la que han arrebatado a su padre y busca una venganza dentro, o fuera, de la ley. Y un viejo agente de la ley, exsoldado, de vuelta de todo que, a pesar de sus defectos, se muestra más humano. En medio un joven y altivo Ranger que recibe lecciones vitales continuas y unos antagonistas también bastante cercanos. Un mosaico de vidas en una aventura sencilla.

No esperéis profundidad abismal o sesudas reflexiones en esta cinta. Va al grano y muestra lo que muestra. Nos cuenta una historia y nos enseña sus matices para finalmente llevarnos a la emoción. El ejemplo más claro es la trayectoria vital de la protagonista, un claro caso de forja del héroe en todos sus pasos, desde el cruce simbólico del río a la prueba final en la cueva. El personaje, agradecido y bien resuelto, de Jeff Bridges también.

Tan canónica es la película en todo que a veces sus diálogos pueden parecer impostados y artificiales. Pero son resolutivos. Cada personaje tiene su propia partitura y en realidad a través de esa artificialidad escuchamos lo que se nos quiere decir con distintas voces.

Una alegría para el espectador porque cuando se apagan las luces, siempre buscamos un cánon que conocemos, unas referencias que nos acomoden y un modelo familiar. Valor de Ley tiene todo esos ingredientes y por ello se convierte en una gran película. Y un gran motivo para ir al cine.

Hitos de los juegos de rol: Vampiro, Edad Oscura

2011-02-03T06:49:00.000-08:00

Tras el éxito y locura generada por Vampiro: La Mascarada. Los chicos de White Wolf decidieron explotar, más bien sobreexplotar, la franquicia. Entre las montañas de basura que generaron tuvieron grandes éxitos. Principalmente Vampiro: Edad Oscura. Un juego con una categoría propia y que se convertiría en uno de los mejores de la historia. Además un libro que todo el mundo quería tener para molar.

Vampiro: Edad Oscura, se basa en Vampiro: La Mascarada. Pero con dos cambios fundamentales. Ambientación y ajustes de sistema. Para empezar, como su nombre indica, está ambientado en la Edad Oscura. O más correctamente, ya que la Edad Oscura fue anterior, en el periodo entre la Alta y Baja Edad Media. Al igual que la saga, interpretabas un vampiro en un mundo en el que existían seres sobrenaturales.

Este sencillo giro a la ambientación fue un éxito rotundo. Se desembarazó, de un solo plumazo, de las cadenas que se había impuesto el argumentario del otro juego. Había los mismos clanes y los vampiros eran básicamente los mismos, pero todo en un ambiente de libertad completa. Nada de Camarillas y Sabbatas. Los vampiros en esencia pura. Incluso los más talifanes se alegraron porque les permitía jugar "la historia oficial" a su manera. Un éxito arrollador.

El sistema, dado de diez contra dificultad fija y acumulación de éxitos, fue refinado. Los desajustes revisados y muchas situaciones, como el combate puestas a punto. Pero sobre todo los poderes.Ahora si que estaban compensados y te permitían ser un señor de la noche. En el juego básico, molaba mucho dominar personas, pero al final un tío con un misil era un tío con un misil. Ahora no. Ahora las tinieblas tenían dueño. El acceso a clanes desconocidos para muchos: principalmente los del Sabbat como los Lasombra y los increíbles Tzimisze, colmó de satisfacción a todos.

El juego como tal tenía sólo un problema. Durante el desarrollo de aventuras convecionales se escoraba hacia el lado de "viajo, me encuentro con gente rara en la noche e iglesias abandonadas". Las aventuras de día a día no triunfaban. Eran un poco repetitivas. Pero, y esto es lo grande, la contrapartida de llevar una campaña de siglos de duración, era increíble.

Vampiro: Edad Oscura, estaba destinado a ser el juego de poder definitivo. Vampiros que dominan ciudades, partidas que duran décadas, progresión amplia y cambios en la personalidad. Podías dar matices a los personajes y luego cambiarlos, te quitabas la carga del día a día y en general era divertidisimo jugar. Por el camino se quedaban algunas escenas divertidas y todo iba a la épica y a la tremenda. Pero la posibilidad de crecer exponencialmente y dominar el juego, o creer que lo dominas, y el trasfondo era mucha. Era un juego para constructores de imperios.

Por no hablar de la preciosa edición con unos dibujos impresionantes.

Personalmente creo que lo mejor de este juego era los personajes que se generaban. Huían del cliché y se convertían en memorables. Todos. En mi caso diseñé pero no jugué con una Assamita al servicio del Islam contra los cruzados y con un monje nosferatu amante de los animales. Stanos poco a poco se volvió loco cuando controló su propia ciudad, Oradea, y tras asesinar a su sire se convirtió en juez de los mortales. Eso sí tras la mítica batall de Oradea que siempre será recordada en los anales de la historia. Batalla entre ratas y gatos, pero batalla al fin y al cabo. Con la BSO de los Nazgul del Señor de los Anillos.

Los Miserables. Si te dicen que aplaudas, tu aplaude

2011-01-31T14:20:00.000-08:00

Yo no sabré mucho de musicales, pero algo se de historias, drama y personajes. Y desde luego el musical de Los Miserables anda bastante confuso de lo primero, demasiado empalagoso de lo segundo y carente de lo tercero. Tras una avalancha de publicidad y de buenas y reputadas críticas nos encontramos mirando la hora para que la historia acabe de una vez y tanta “emoción” nos permita abandonar la sala.

El problema quizás radique en el público que aplaude lo que sea, como fue el caso mayoritario, o no sabe degustar lo que se le presenta, como fue el caso minoritario o particular. Fuese cual fuese la causa el musical de Los Miserables se hizo insoportable y cargante desde sus primeros compases.

Probablemente la adaptación de la obra de Victor Hugo, la épica lucha de un hombre por salvar su honor y su redención en tiempos convulsos, sea difícil en un musical. Los Miserables parece querer abarcarlo todo y eso no puede ser. No en tres, larguísimas, horas. Ni mucho menos con una presentación de personajes tan deslavazada, rápida y carente de profundidad. Por ejemplo, el enemigo de Jean Valjean, de lo mejor de la obra, es presentado de manera tangencial y sólo su gran actuación y su estupendo final le permiten sobresalir en la función.

El resto es un batiburrillo bastante poco divertido, donde personajes supuestamente principales van y vienen, todos ellos con su canción-monólogo de divo al canto, diseñadas para ganarse el aplauso del público. Muy fácil. Niños cantando y melodías militares y pegadizas. Una cohorte de putas bailando y danzando y lo peor de Francia en el escenario. No se. Creo que hablar de lo más crudo de la sociedad, de la lucha de clases y de una sociedad de desarrapados, no encaja con el concepto de musical que nos venden. Salvo por los largos soliloquios en los que, siempre Dios mediante, se dice una y otra vez lo mismo.

Tampoco falta, para el público de aplauso fácil, el bufón y bufona de turno. En medio de este caos navega nuestro protagonista Valjean, su implacable perseguidor Javert y la despechada ratera Eponine. Tres figuras que mantienen la coherencia en el ritmo trepidante y sin sentido en el que se convierte a veces la escena. Eso sí, todo muy bien ejecutado, con cambios de escenario magníficos, buenas voces y coros que si te llegan bien adentro.

Al final, todos saludan muy contentos y ufanos. El público, que se ha dejado una buena pasta para ver eso, se revienta las manos a aplaudir y todo tiene un final feliz. Tras tres horas de llantos a dios y letras impostadas, cualquier final es feliz.

CNN+ Desaparece: Abajo la inteligencia

2010-12-29T04:25:00.000-08:00

Trato de ponerme en el retorcido e italiano cerebro de Paolo Vasile. Y, por extraño que parezca, veo razonable, desde el punto de vista de un programador italiano al servicio de Silvio Berlusconi la defenestación de CNN+ y su sustitución por el imprescindible canal 24 horas de Gran Hermano. Como bien titula hoy un diario nacional: De la información al minuto a la "vida en directo". Nótese el uso de las comillas como una pequeña rebeldía del redactor ante tamaña injusticia.

Pero desde el punto de vista Vasileano la cosa tiene sentido. Mantener una redacción permanente, cuyo objetivo es informar a la ciudadanía en directo y donde había calado Iñaki Gabilondo, sin duda el Moby Dick de muchos políticos y empresarios, es caro. Poner cámaras en una casa de la sierra madrileña y grabar las monerías de unos aspirantes a simios en un programa que ha vivido mejores tiempos y dónde Mercedes Milá tiene un dorado retiro como el reptil que toma el sol tranquilamente, es barato. Caro y barato. Maldita sea. Vasile sólo hace lo que le pide el negocio ¿no? O quizás se quite de en medio a la parte más crítica con la fusión entre Cuatro y Telecinco. Es un italiano, no lo olvidemos.

El problema de todo esto es que no hablamos de una tienda de ultramarinos de saldo, donde comprar plátanos de Canarias o bananas dominicanas puede ser una cuestión de balance para el tendero. La televisión, y los medios de comunicación, son más que eso. Incluso hablando en los mercantilistas términos Vasilianos, la rentabilidad de la tele indica que es un negocio superlativo que entronca con muchos valores: desde la fidelidad a la cultura. Si, cultura. Porque no hace muchos años hablamos que los medios y sobre todo la televisión están para: informar, formar y entretener.

Pues ahora en Telecinco, y próximamente en Cuatro, ni se forma, ni se informa, ni se entretiene. Simplemente se monta una basura infecta y pestilente que se extiende poco a poco siguiendo los infames tentáculos del canal de televisión que amenaza con ahogar la poca dignidad que le queda al medio. Más aún cuando su culto al grito, a lo chabacano y a lo soez se contagia como el tifus por otras cadenas.

No hablamos de audiencias. No me saquen los datos de Sálvame y de otras pústulas que laceran la parrilla de la Televisión Amiga. Aquí los números absolutos no valen. De nada. Con que una persona quiera ejercer el derecho a estar informado por los medios de comunicación, ya justifica la existencia de una canal informativo de 24 horas. Sea o no rentable. A la mierda los millones de descerebrados que idolatran a Belén Esteban, cuya defunción en directo veremos allá por el año 2024. A la mierda los y las, cretinos y cretinas, seguidores de Gran Hermano, esa gente que no tiene vida o cuya vida consiste en idolatrar a sementales tatuados y reír las gracias a las putas de saldo que arrastran su culo y enseñan sus tetas de silicona en la sagrada trilogía: Sálvame-Interviú-La Noria. Y de paso a la mierda Ana Rosa Quintana, mesías del marujeo elevado a cultura. A la mierda todos.

CNN+ no merecía este final. Fuese o no rentable, desde el frío, calculador y homicida punto de vista empresarial, estoy seguro de que podría tener otro final. Otra salida al cambio de una cadena de prestigio nacional e internacional por la mayor basura pergueñada por una calenturienta mente holandesa y emitida, sin pelos en la lengua, por una decadente cadena española. A la mierda con gran hermano. CNN+, a partir de hoy, representa un hito romántico en el periodismo español, bueno y sagaz como pocos cuando se lo propone, asqueroso y empatanado como nunca cuando se vende. Otro paso más para desmontar la poca inteligencia que nos queda. 12 años de excelencia tirados a la basura. 200 desempleados más en la puta calle. Obra y gracia de un italiano de pelo blanco y alma negra

Como último homenaje a esta cadena, que hablen ellos. En los diez últimos minutos de locución y de despedida, hay más verdad que en cien años de cartonpiedra y casas de Guadalix de la mierda:

The Walking Dead: Gusto por el detalle

2010-12-02T10:38:00.000-08:00

Una vez arreciado el fenómeno fan con nata respecto a la nueva serie de zombies, The Walking Dead, nos hemos acercado a ella. Merece la pena hacer esto, aguantarte las ganas un mes o así, y luego comenzar a ver las cosas. Se te enfrían las expectativas y te ahorras frustraciones. Además de que ver a tu ritmo algo siempre es placentero, por hacer sufrir a los demás que lo consideran im-pres-cin-di-ble.

El prólogo de The Walking Death es una verdadera delicia. Da lo que esperas y lo que no esperas, cubre todas las expectativas, cubre las demandas y exigencias de los talifanes y además cuenta una historia. Personalmente me sorprendió enormemente la atención por el detalle en cada escena, en cada secuencia, en cada momento del piloto. Es un capítulo muy lírico y a la vez muy entretenido. Y además habla de zombis. Quizás esa sea la gracia. Es tan bueno que el hecho de que se base en una historia de apocalípsis zombi, un cliché fantástico de moda y bastante explotado.

Al tratarse de un piloto tiene más duración que un capítulo normal pero son los primeros cuarenta y cinco minutos equivalentes a un episodio los que son fascinantes. Desde la primera escena, silenciosa, poderosa e hipnótica en la que nos deja claro de qué va a ir la serie al momento final de esta primera parte en la que la humanidad vence incluso a la monstruosidad. En la que la compasión de los vivos con los muertos o herrantes es conmovedora, en la que vemos que la serie tiene mucho por contar. La secuencia final en paralelo entre el protagonista y el padre que se enfrenta a su mujer no-muerta es conmovedora. Entre medias el periplo del hospital, con la secuencia de las cerillas y la tensión contenida. Y sin olvidarnos de las explicaciones claras, sencillas y meridianas de la situación ni de la conversación inicial entre los dos protagonistas-antagonistas que deja claro que son polos opuestos condenados a sobrevivir y complementarse.

Una secuencia contínua de detalles, tanto a nivel conceptual como a nivel visual, con planos cerrados que se abren para mostrar el escenario completo. Detalles mínimos, nimios pero poderosos y rotundos como la personalización de los zombis que componen una historia de supervivencia, de humanidad y también de terror. Ese primer capítulo metido dentro del propio prólogo es sublime.

El resto se mantiene a la altura por más que sea una prolongación necesaria. Esta parte final nos empieza a meter también en el género del survival horror, de las atrocidades y de la supervivencia. La lucha contínua contra ese enemigo, los errantes, implacable e incontenible. Primera tentativa de suicido del protagonista, bastante sosa por cierto, y final en alto para dejar claro que la serie no dará concesiones.

Arte y horror unidos en un poderoso capítulo de una poderosa, se intuye, serie. Esperemos que no sea sólo el efecto Piloto, cosa que dudamos, y que el resto de The Walking Dead tenga tan buen gusto.

75 años de DC, 75 años de cómics, 75 años de mitos

2010-11-23T11:02:00.000-08:00

La comunidad está de enhorabuena. DC cómics cumple 75 años. Muchas empresas e iniciativas cumplen 75 años, pero el poder y la influencia de Detectives Cómics son superiores. Ellos mismo lo han visto así, ya que se promocionan como los creadores de mitos. No les falta razón. Los cómics, a pesar de que haya gente que los llame aún tebeos, son las epopeyas actuales. Homero, Ulises y Aquiles viven en las viñetas de superhéroes creadas por DC y secundadas por Marvel. Puede que el cine sea el nuevo arte, la televisión el medio definitivo, los videojuegos sean el futuro e internet la fusión de todos. Pero en los cómics, esencialmente los conocidos como de superhéroes, viven los mitos.

El primero llegó del espacio exterior, pero creció al estilo americano. En su traje llevaba los colores primarios y defendía la libertad. "Proteger y servir", era la máxima de Superman que era lo que no éramos nosotros. Volaba, era fuerte, rápido y moralmente superior. Pero nos defendía a todos. Superman fue un éxito porque era lo que necesitábamos. Un Aquiles, moderno. Dios en realidad que trabajaba para nosotros porque nos amaba. Una revelación mesiánica de consecuencias imparables. En los cielos estaban las respuestas a los héroes que no había en la tierra.

Luego llegó Wonder Woman, también la encarnación superior en clave femenina. La esencia de las amazonas y los héroes clásicos convergían en WonderWoman, que también fue un ejemplo de la situación de la mujer en las sociedad. La princesa Diana nos demuestra como se veía la liberación femenina, desde consortes de los héroes a auténticas mujeres independientes. Un personaje en evolución constante.

Pero sobre todo, llegó EL. El hombre murciélago, el Batman. Protegía y servía, pero a su manera. Era humano. Pero más que humano. Al mismo tiempo menos. Aunque pasó por épocas ridículas y vergonzantes, en el interior de Batman, nunca Bruce Wayne, latía el resentimiento y la ira tras la muerte de sus padres. Un espíritu de venganza encarnado en el murciélago. Batman es superior a sus homólogos de DC porque sabía lo que había que hacer, sabía que tenía que mancharse, sabía que debía ser un criminal para acabar con los criminales.

Todo gran hére, necesita un gran rival. Y apareció Marvel, con personajes más trabajados y con más continuidad. Con auténticos mitos. Pero DC sobrevivió, gracias a otros personajes como Green Lantern, Arquero Verde o Aquaman. Pero sobre todo con Batman, Wonderwoman y Superman.

Necesitamos mitos. Necesitamos héroes. Necesitamos saber que podemos ser mejores y peores. Necesitamos enfrentarnos a nuestra locura. Necesitamos ser luminosos. Necesitamos ser oscuros. Necesitamos ver el mal y el bien. Necesitamos creer.

DC nos ha permitido todo esto desde hace 75 años.

The Wire y Shakespeare

2010-11-18T10:47:00.000-08:00

Gracias a Megaupload seguimos con nuestro interesante proyecto de The Wire. La cuidamos y la mimamos y no metemos ningún acelerón improvisto. Dos capítulos, como máximo, de por día. Así que ya hemos devorado, con mucho gusto, las tres primeras y geniales temporadas de esta suprema serie policial. Una trama de esta última temporada nos recuerda a las tragedias de Shakespeare y de la universalidad de las historias.

Estamos seguros de que si Shakespeare viviese hoy en día, sería un director de cine o de televisión. Sus obras, sobre todo las sagas históricas de los reyes y las ambientadas en la monarquía, describían, de manera hábil e inteligente grandes batallas y acontecimientos épìcos. Seguramente este profílico escritor podría, hoy en día dirigir grandes películas.

Pero también el lirismo y la tragedia que empapan toda la grandiosa obra shakesperiana se pueden ver en The Wire. Los Lear, Hamelt, Iago y Macbeth de Shakespeare son personajes trágicos, terriblemente condenados y que no pueden escapar a un destino cruel. Como los personajes griegos pero llevados al popularismo del inglés. Bajados a la escala mortal. La ascendencia de Shakespeare es tal que llega hasta un melodrama policíaco de las calles de Baltimore basado en hechos reales.

Pues bien, el personaje de Stringer Bell en The Wire tiene todos los componentes trágicos que vemos en Shakespeare. Stringer es un hombre atrapado por su destino. Nacido en los barrios bajos, podemos intuir que llevó la vida que se nos muestra a lo largo de la serie: venta en las esquinas, marginalidad, robos y crimen. Pero Bell al llegar a la adultez y conversirse en la mano derecha del rey, Avon Barksdale, quiere escapar de esa vida. Más aún quiere convertirse en el rey, pero no quiere traicionar al rey.

Las circunstacias que vamos viendo en la serie, le empujan a su destino, que no es otro que ser segundo o morir de una manera violenta. Cuando Barksdale vuelve todo se precipita y todas las tramas y trampas que ha lanzado se cierran en torno a su cuello. La tragedia, también la de Barksdale es su enfrentamiento entre legalidad y criminalidad. Finalmente, el mundo en el que se mueve, la tragedia que le rodea le engulle y su final es tan trágico como esperado.

No sólo Bell o Barksdale, que lucha por mantener su trono a pesar de los problemas pero no quiere despachar a su hermano, son propios de Shakespeare. En toda la serie vemos elementos de sus grandes tragedias: el personaje destructivo de McNulty, los policías, siempre condenados o la maldición trágica que cae sobre la familia Sobowtka, o por añadidura, todos los polacos.

Esto no quiere decir que The Wire esté basada en Shakespeare, pero hablamos de la universalidad de las obras del inglés, que tras siglos en la tumba, sigue presente incluso en los medios más modernos.

Asassin´s Creed: La Hermandad. Entrevista con Jeffrey Yohalen

2010-11-12T03:39:00.000-08:00

Jeffrey Yohalen pertenece a una generación de creativos, una nueva raza que utiliza los videojuegos como arte. Él lo tiene claro, el futuro está en este formato, en su narrativa, en su interacción y en sus modalidades. Los videojuegos cuentan historias y son arte. Diseñador y guionista de la aclamada saga Assasin´s Creed, que en su tercera entrega, secuela de la segunda parte, tiene el pueblo de Viana, Navarra, como uno de sus escenarios. Los villanos también vienen de nuestro país, nada menos que la cruel familia Borgia, cuyo lema, al final de su estirpe fue: "Lo tuvieron todo, fueron nada".

¿Qué papel juega España en Assasins Creed: La Hermandad?

España a través de los Borgia y del pueblo de Viana en Navarra, es una parte esencial de la línea del juego, tanto argumentalmente como visualmente. Grafícamente ha sido muy interesante utilizar la luz del campo español y el paisaje. A nuestro director artístico le encantó esta posibilidad.

¿Ha tenido la oportunidad de viajar a Viana?

No he estado en Viana pero he viajado por exteriores de España. El jeugo captura lo que es el paisaje de manera perfecta. Varios miembros del equipo gráfico trabajaron con el paisaje español y sobre todo con los colores tan magníficos.

¿Qué pensó cuando se encontró con la historia real de la familia Borgia y la usó como villanos para la saga?

Me pareció una historia muy triste, eran personas que estaban obsesionadas con el control. Ellos mismos eran villanos porque su objetivo era sólo vivir bien y para ello hicieron cosas terribles. Pero también en su historia había un matiz de indolencia y de egoísmo. Creo que en nuestra historia están mejor tratados que en la realidad, porque en Assasin´s Creed, tienen un plan para dominar el mundo y convertirlo en lo que ellos quieren. Un plan que desde luego no tenían en la vida real. Eran peores en la vida real que en Assasin´s Creed.

¿Qué otras partes de la historia española le gustan o podría utilizar para Assasin´s Creed?

Bueno, no puedo desvelar los planes respecto a la historia de España. Personalmente creo que es fascinante el periodo de la guerra civil. La figura del dictador Franco, el conflicto, la resistencia del pueblo español. Es una historia con muchas posibilidades narrativas. De hecho ya atrajo a grandes artistas como Hemingway o Picasso con el Guernica.

¿Cómo definió la imagen de Cesar Borgia?

Se utilizaron retratos de la época del propio personaje y también otros cuadros, como las obras de Velazquez sobre conquistadores, emperadores y soldados. Es un trabajo que llevó a cabo el Director de Arte. Normalmente se usan rasgos de famosos o actores porque son reconocibles, pero en este caso buscamos un aspecto nuevo a partir del arte español.

Volviendo a la dinámica del juego. Hemos visto que se ha desarrollado un novedoso modo online ¿Crees que en el futuro los juegos online acabarán con los modos de juego individuales?

Cuando desarrollamos un videojuego queremos que la interactividad sirva para enseñar cosas, para expresar nuestro arte. El jugador busca ser el héroe y el protagonista de una historia. En el modo online es muy difícil expresar todo esto ya que no todos pueden ser protagonistas y plasmar esa interactividad es complicado, por no decir imposible. En los modos de jugador único, eres el verdadero centro de una historia y eso es esencial para desarrollar videojuegos.

A medida que los videojuegos se convierten en un fenómeno de masas, aparecen cada vez más críticas contra su violencia o su lenguaje. ¿Qué opina de esta tendencia?

La llamada corrección política es el enemigo de la creatividad. Si la creatividad desaparece, también desaparece el arte. Eso esta mal. Me recuerda al libro Fahrenheit, en el que la corrección política acaba destruyendo el contenido de los libros. Hay que ser libres.

La otra cara de la moneda del fenómeno de los videojuegos es que se han convertido en una nueva forma narrativa. ¿Cree que en un futuro guionistas y directores de cine de reconocido prestigio se adentrarán en el mundo del videojuego?

Francamente espero que las personas con talento, como los directores de cine, quieran acercase al mundo de los videojuegos, porque eso significa que lo estamos haciendo bien.

Personalmente a mi no me interesa escribir para el cine. Los videojuegos son mejor medio ya que son muy populares. Si quieres llegar a mucha gente con una buena historia, creo que el mejor camino es un videojuego. Además trabajar en el guión de un videojuego es un reto continuo, siempre estamos abordando nuevos desafíos y mejorando lo anterior. En el cine ya se han hecho las mayores obras maestras pero en el sector de los videojuegos estamos siempre innovando y mejorando.

Siento que mi obligación como creador de videojuegos es demostrar que se trata de un arte y que pueda atraer a las personas con más talento a este medio. Como por ejemplo directores de cine.

¿Cómo se siente al ver que muchos jóvenes se acercan a la historia y la filosofía a través de los videojuegos?

Eso es el objetivo para el que los que los creamos. El arte es aprender sobre ti mismo y sobre el mundo. Los videojuegos son arte, tenemos que expresar cosas tan importantes como estas.

¿Cuál es el papel de un guionista de videojuegos?

Realmente cambia en cada juego. A veces lo guionistas son ajenos del proyecto y ni siquiera juegan. Ese no es mi caso porque soy diseñador de juegos y escritor de los mismos. Está claro que un guionista tiene que ser jugador porque así conoce las dinámicas y narrativas propias del medio.

Estamos hablando de algo nuevo, distinto al cine o a la literatura, porque hablamos de una narrativa interactiva. Los jugadores, a partir del personaje, son los que interactúan con la historia, no les viene dada. Por supuesto la inspiración no viene sólo de juegos, está la historia, las películas, la televisión. Pero lo que realmente diferencia a un guionista de videojuegos es que trabaja con la interactividad, por eso debe jugar.

En un videojuego el modo historia es la parte en la que más se interactúa con el propio argumento. Puedes hacer algo que en tu vida nunca habías experimentado, y probablemente nunca más puedas hacerlo. Un guionista de videojuegos debe manejar la dinámica del juego y también la narrativa interactiva, que es la clave para transmitir la historia a los jugadores.

¿Cuál es el futuro de la saga, se adentrará en el descubrimiento del nuevo mundo?

Para saber eso tienes que jugar el juego. Al final, si estás atento, encontrarás pistas suficientes para responder a esa pregunta.

Museo Coconut: Ese extraño híbrido

2010-11-10T01:30:00.000-08:00

La situación de la serie española es tan caótica que el pasado lunes pudimos ver dos productos tan bizarros como particulares compitiendo. Gavilanes, una telenovela convertida en dramón insufrible de torsos apolíneos y cachas desnundas que incomprensiblemente lleva dos temporadas y Museo Coconut, la última extravagancia de la factoría Chanante. ¿Competían? Probablemente no, porque quién ve una, no ve la otra. Y por otra parte ambas se emitían en canales hermanos: Antena3, que parece confirmar su apuesta por el producto nacional chabacano u honrado, y Neox, que también apuesta por la producción propia, más segmentada y, desde luego, de más calidad. (Impares por ejemplo, es muy buena).

Museo Coconut nace como una sitcom con público en directo. Nada nuevo, o todo lo contrario. Escasillar la creatividad de los manchegos en cinco escenarios y media docena de personajes, choca, resulta extraño, pertubador. Esas risas a los chistes chanantes, esa falta de formatos reconocibles, ese Joaquín Reyes enclaustrado en un sólo personaje, Onofre. Todo suena muy raro. Porque nos han acostumbrado a lo otro, la Hora Chanante y a la Muchachada Nui.

Por otro lado el formato de sitcom que proponen se nos queda rancio. Visto mil veces, por mucho que el absurdo que les impregna sea divertidisimo, nos echa un poco para atrás. El humor chanante, categoría que quedará para siempre registrada, se adapta a monólogos y sketchs. Se nota que están empezando en un formato nuevo.

Pero no dudéis que lo van a dominar y lo van a convertir. Museo Coconut se convertirá en un híbrido entre serie y programa de humor, donde sus personajes y sus actores, actores-personajes en realidad, alcanzaran cotas de humor, absurdo y surrealista, muy altas. Siempre lo consiguen. No tardará en romper un nuevo Vicentín, o Gañán, o Enjuto Mojamuto, no tardarán en romper esos chistes alargados hasta el infinito y esas conversaciones tan grotescas pero a la vez tan divertidas. No tardarán en, esperemos, quitar esas risas que tan mal efecto hacen. Porque la grandeza de este tipo de humor, es que ante una situación pasmosas cada uno se ríe a su tiempo. El punch está deformado, por eso triunfa. Personajes como Onofre o el amoral director del Museo serán eternos.

Un híbrido, un experimento, en un canal no generalista, para un público muy definido, con una fórmula muy redondeada. Por fin algo distinto, algo que no considera a todos los espectadores una masas informe de números a los que hay que agarrar por el cuello a toda costa usando niños, adolescentes, abuelos y tramas de taberna.

Recemos para que el híbrido Coconut triunfe y en un futuro sea Gavilanes la anomalía.

Homefront: El poder de una historia

2010-11-05T03:46:00.000-07:00

Pongámonos paranoicos. Uno de los escenarios para nada descartables de un futuro inmediato nos llevaría a una guerra entre Estados Unidos y Corea. ¿Quién daría el primer golpe? Con un nuevo y amado lider, todo es posible. No es difícil imaginar una escalada armamentística coreana que lleve a los americanos a combatir en su propio territorio, después de que el joven Kim Jong-Un sacase las tropas a pasear.

Esta es la semilla de la historia que hoy presentamos. Se trata de Homefront, un videojuego desarrollado por Kaos Studios. Se trata de un Shooter en primera persona que sigue la estela estética y argumentativa de otros títulos del mercado. Pero Homefront nos sirve para seguir incidiendo en la defensa del videojuego como arte en si mismo. Hoy toca hablar de la historia.

Porque para quién no lo sepa, el background de Homefront, la guerra norcoreana contra Estados Unidos, ha sido desarrollado nada menos que por Jonh Millius, guionistas de Apocapyse Now o director de Conan el Bárbaro. Milius ya exploró hace años la posibilidad de una guerra en territorio americano con Amanecer Rojo. Ahora vuelve a la carga con Homefront, un universo quizás demasiado escalofriantemente cercano a la realidad.

El videojuego se engrana dentro de un universo creado por Milius. Es decir, no se escribió sólo para el videojuego, sino más bien que se utilizó el formato y el género para contar una parte de una historia mayor que el propio Milius desarrolló. Se publicará también una novela y, suponemos que no tardemos en escuchar hablar de un proyecto de película o quizás serie de televisión.

De hecho el timeline argumental del mundo de Homefront es bastante mayor que lo que abarca el juego. El Modo Campaña tiene lugar con los Estados Unidos conquistados y cuenta una historia, humana y cercana, de miembros de la resistencia que han de llevar combustible desde el Medio-Oeste a la costa Pacífica. Una pequeña historia dentro de una historia mayor.

Que se haya utilizado el soporte de videojuego para desarrollar un universo tan complejo, insistimos en que la línea temporal abarca más de quince años hasta 2027, fecha de la conquista final, no hace más que reafirmar que los videojuegos van en serio. Muy en serio. Hoy en día las distintas formas de narrativa audiovisual están claramente influídas por los juegos que ya no sólo son una opción de ocio más, sino que se presentan como una opción cultural. La clave, como siempre, está en la interactividad del jugador. No sólo somos espectadores/lectores de una historia, sino que somos, a través del mágico mundo de la inmersión, en protagonistas durante unas horas. Hemos roto la indestructible cuarta pared.

Homefront no sólo confirma esta tendencia, sino que supone un espaldarazo más. Que una persona del peso de Milius se involucre en un proyecto así y desarrolle sus ideas a partir de un videojuego, sólo nos hace augurar nuevos y grandiosos tiempos para esta industria. Ya tenemos superproducciones, ya tenemos historias de talento, ya tenemos géneros, ya tenemos narrativa y ahora vamos a tener a los mejores profesionales. Y las mejores herramientas de marketing para apoyarlos. En unos años tendremos el producto global, que integrará cine, televisión, internet y videojuegos. Si no lo estamos viendo ya, con proyectos como este.

Argumental y estéticamente Homefront responde a las nuevas tendencias del género. Atrás quedaron los tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Ahora se demandan conflictos modernos, complejos y morales. Realistas. También quedaron atrás los planetas extraños o los campos de batalla europeos como Normandía, Arhem o Stalingrado. La tendencia, explotada al máximo por este juego a través de la lucha por la resistencia, es mostrar unos Estados Unidos arrasados, combatir en suburbios, en casa unifamiliares y ver los símbolos visuales con los que hemos crecidos arrasados. En otros títulos hemos visto la Casa Blanca arder, en Homefront veremos toda la Costa Oeste americana barrida, con el puente de San Francisco como campo de batalla y símbolo del juego.

Homefront saldrá en 2011 y no sólo promete ser un gran juego en su modo Campaña. El trasfondo planteado por Milius y por los desarrolladores del juego también repercutirá en los modos Online. Podrás luchar en cualquier punto de la guerra, por lo que las posibilidades no sólo se quedarán reducidas a la elección de escenarios, sino que se amplían al trasfondo en el que decidas combatir.

Y ahora, unas capturas del juego:

El pueblo pregunta a Belén: La broma asesina

2010-11-04T01:48:00.000-07:00

“¿No entiendes la broma? ¿No le ves la gracia? ¿Por qué no te ríes?” Implora el Joker a Batman en la obra maestra “La Broma Asesina” tras intentar enloquecer a Gordon y demostrar a su rival, que no enemigo, que con un pequeño empujón todos podemos perder la cordura. Ayer Telecinco facturó un programa digno de los planes del Joker, una broma asesina. ¿No pilláis el chiste? ¿Por qué tan serios?

Belén Esteban, la reina del pueblo, la ama de la televisión infecta española, fue reina y señor de un programa hecho a su medida: España pregunta a Belén Esteban. Un sucedáneo del formato, innovador, premiado y magnífico de “Tengo una pregunta para usted”. Así está el nivel catódico de nuestro país. Del presidente y el principal opositor al payaso mayor de la reina del circo.

El fenómeno Belén Esteban, desde el punto de vista televisivo, es digno de estudio. También de archivo y olvido. Es la evolución de la telerealidad por así decirlo. Una especie de Show de Truman pero escalofriantemente real. Me da pena de esta muchacha porque su ignorancia queda patente cada vez que abre la boca, siendo maquiavélicamente manipulada por Jorge Javier Vázquez. Que maneja los hilos de su cohorte de basureros televisivos y que maneja muy bien el concepto de telebasura. El basurero en que se ha convertido Telecinco, que dedica más del 70 por ciento de su tiempo semanal en estas lacras hace el resto.

Pero no nos equivoquemos. Aquí la mala no es la Esteban, que cada vez camina a pasos agigantados a un final dramático y televisado, por su puesto. Ni Vázquez, que simplemente es la cara de una cadena sin un ápice de moral. Los villanos son los millones de españoles que se sientan delante de la televisión a adorar a la reina de lo absurdo.

¿Cómo vamos a reclamar una televisión de calidad si tenemos esta basura como mascarón de proa? Lo triste del asunto es que en España tenemos telediarios buenos, tenemos grandes profesionales y hemos facturado algún programa grandioso. Pero no puede ser, esta broma asesina acaba con todo.

Ella misma lo dejó claro y meridiano en su intervención:

Yo no soy un ejemplo para nadie. El problema no es de los niños que me ven es de es de los padres que dejan ver a sus hijos los programas donde salgo yo. Mi hija ve Camp Rock y Hannah Montana.

¿No pilláis la broma?

Lo mejor tomárnoslo a risa. La risa más terapéutica del mundo. Comprendamos la absurda broma que nos rodea y riamos de ella. ¿Por qué tan serios?

Felipe y Letizia: el horror

2010-10-28T04:34:00.000-07:00

Me da vergüenza ajena ver como Telecinco saca promos de su victoria sobre Antena3 en la competición entre Felipe y Letizia con Hispania. Falsas por que Telecinco incluye las horas post serie, con sus Hormigas Blancas y tal. Pero en el momento de competencia dura, los españoles han decidido que no se tragaban la burda y asquerosa patraña que nos ofrecia mierdacinco. Por una vez hemos sido listos, como dice el Príncipe de basura en la serie: "el pueblo es sabio".

En serio que no se cómo directores, productores, guionistas y actores han podido facturar ese pedazo de basura de miniserie. Por aquí tenemos una teoría: cuando una película o serie es tan, tan, tan, tan mala, al final se convierte en buena, porque el círculo se cierra. Pero no, la miniserie real no ha llegado ni a la mitad del rosco. Es más, se queda en cuarto y mitad, a pesar de que se puede ver desde el punto de vista irónico, surreal y paródico. En internet se compara a Juanjo Puigcorbé con un celébriti de Joaquin Reyes. Terrible. ¿Por qué no hace el propio Joaquin Reyes del propio rey? O ya puestos, ¿por qué los chicos chantantes no se encargaron de la serie? El resultado sería mejor, pero no quizás tan absurdo.

Cuando las series de Hollywood prolongan una etapa potentísima, de nuevos géneros, de globalización, de poderío, de integración de cine, internet y televisión, en España seguimos con series cada vez peores y más indignas. Ahora nos apuntamos a la moda de los TV Movie, veinte años después, pero a lo cutre y malo. El biopic cansa y aunque hemos tenido muchas series dignas, como la del 23-F o la de Adolfo Suárez, otras como la de ayer o la infame "una bala para el rey", nos entierran en la caverna de la inmundicia moral y audiovisual.

¿Quién cojones tiene la culpa de este despropósito? Son los productores, qué no saben dar calidad a nada de lo que toca, qué tienen secuestrada a nuestra televisión con basuras de chonis, de descerebrados y de actrices porno de baratillo (mientras escribo esto la tele me vomita Hombres, Mujeres y Viceversa encima), es culpa de los directores, qué no saben arriesgar, qué no quieren salirse del carril, qué no tienen talento, no hay guionistas con calidad y arrestos en España, no hay alguien que repase la primera versión y la segunda de un guión para pulirlo, los actores no leen los guiones, Amaya Salamanca, que desprecia el método y se basa en la improvisación según sus propias palabras, no sabe que está ahí por tener tetas gordas? ¿Quién demonios hizo el casting de esta serie y pensó que iba a triunfar? ¿Quién hizo esos montajes de baratillo, ese cartón piedra, ese rey de chiste, ese Juan Cuesta como jefe de la casa real?

O quizás sea culpa nuestra. Iletrados, televisivamente y culturalmente, que permitimos que estos programas triunfen. Ver tele es gratis y fácil. Pero de ahí a ver mierda enlatada es otra cosa. Siempre hay algo mejor que ver, ayer por ejemplo Hispania o Un puente lejano. Pero quizás no sabemos escapar de nuestra belenestebanización, de hombres y mujeres y viceversa, de grandes hermanos y de DECs, tomates, naufragos y anguilas rojas. Quizás nos merezcamos esta basura que no es otro reflejo de la mediocridad que nos rodea desde hace tiempo. Quién sabe. A lo mejor somos todos culpables.

Para acabar voy a limpiar este descenso a la mierda, con una escena mítica. Perdona Marlon por mancharte entremezclándote con este blog.

Boardwalk empire: Cine o televisión

2010-10-22T06:18:00.000-07:00

Ayer tuve la fortuna de ir al preestreno en España, en alta definición y en pantalla de cine de la última serie de HBO: Boardwalk Empire. No podía elegir mejor sitio para el estreno de una serie muy cinematográfica. Producción a lo grande, actores con carrera consagrada en Hollywood como el peculiar Steve Buscemi y producida por Martin Scorcese, quien además dirige el piloto. Todo un derroche de fusión entre cine y televisión que es la cumbre de una tendencia cada vez mayor tanto en Hollywood como en España. Al final los productores ha asumido que internet y otros dispositivos han conseguido fusionar todo el arte audiovisual en un nuevo híbrido. Su reto es que las producciones se vean en todas las pantallas, sean de cine, de ordenador, de dispositivo móvil o directamente enchufadas a sus cerebros desde las capsulas de ocio virtual del futuro.

Pero, al igual que no es lo mismo escribir una novela histórica que un libro de historia, no es lo mismo hacer televisión que hacer cine. Aunque los elementos con los que jugamos son los mismos, todo cambia, desde los modos de producción a los tempos. A fin de cuentas, una serie narra la historia de unos personajes durante como mínimo 12 episodios, es decir 12 horas. La película cuenta una historia en dos horas. Evidentemente son diferentes. Ahora que el dinero entra en la televisión puede creerse que habrá una tendencia a un lenguaje nuevo. Boardwalk empire nos dice que hay mucho que recorrer.

El inicio es de serie: una buena presentación tanto de los personajes como de las situaciones. Buena mano de Scorcese y gran presentación de Buscemi, todo un crack que se maneja perfectamente en este y en este papel. Con los personajes bien, estupendamente, planteados el piloto se enreda. Como he dicho antes las series son de muchos capítulos y no hay que tener prisa por cerrar tramas. Hay capítulos en los que no pasa nada. El piloto se empeña en que pasen cosas y en que se cierre, al estilo cinematográfico todo. Y eso no puede ser. Por eso el final se parece mucho a El Padrino, con muchisimos lugares comunes en la última parte, violencia gratuita y un par de recursos de folletín.

Pero eso es de esperar. La calidad del piloto es enorme, superior y aunque su autoconclusión produce un raro sabor de boca, cortando muchas tramas, hay que decir que tiene buena pinta. Si consigue separarse de las referencias del Padrino y desarrollar el personaje de Buscemi, un hombre en la madurez de su vida, en la cúspide de su poder, que ve como zozobra todo al tener que mancharse más las manos, podemos tener una gran serie. Un detalle del buen trabajo: la música, ambiente y banda sonora, que se utiliza es la de la época, como algunos recursos de montaje.

Si durase veinte minutos menos seguro que sería mucho mejor. Porque el cine es cine y la tele es tele.

The Wire: Inteligencia

2010-10-18T03:13:00.000-07:00

Vamos un pelín retrasados en cuestión de series de TV. Requieren bastante tiempo, a pesar de los avances megauplodianos, y también ganas. Para ver basura como Anguila Roja, esta temporada al menos parece que tiene alguna trama buena, pero sólo alguna, pues mejor nos dedicamos a otra cosa. En el tintero tenemos muchas series que se nos atragantaron. Pero claro, una serie buena es eterna. Se puede degustar en cualquier momento. Cuando más la esperas, más cumple tus expectativas. The Wire es el ejemplo (y Los Soprano, Dexter y Breaking Bad las próximas).

The Wire, de HBO por cierto, es una serie inteligente y para personas inteligentes. Si una serie mala se detecta en un minuto, una serie estupenda lo mismo. Y así pasa con The Wire. Sólo basta ver cualquier secuencia, cualquiera, para darte cuenta de que es algo distinto. Por otra parte en una serie mediocre, incluso en una buena, un espectador avispado puede ver las estructuras internas como los puntos de giro, la evolución de personajes y las tramas. En The Wire la historia y lo que se cuenta sepulta ese esqueleto, lo que la hace más grande.

La serie es un ejemplo de televisión inteligente, pero lo hace llegando a todo el mundo. Las pesquisas policiales de McNulty y compañía pueden satisfacer a todos los espectadores, desde los consumidores de Grandes Hermanos hasta los más elitistas fans de A 2 metros bajo tierra. Es una buena serie hecha para todos.

¿Y cuál es su grandeza? Pues su verosimilitud y su cercanía. Son policías, son de Baltimore, son gansters negros, es un caso de investigación, una escucha, todos los elementos de un producción de Hollywood, pero no. Son cercanos. Te los crees. Sin incidir en sus problemas personales, que tienen y muchos, nos muestran personajes profundos, herméticos pero a la vez libros abiertos. Clichés que se rompen y relaciones complejas. Todo ello desde el punto de vista de la escucha. Una obra magistral de narrativa televisiva. Tele inteligente para espectadores que la gusten.

Tras ver la primera temporada, nos quedamos cinco puntos espectaculares que hacen de la serie algo grande por su sobriedad, su realismo y su cercanía al mismo tiempo. Ojito con los videos que contienen Spoilers para quien no lo haya visto.

1. La secuencia de fuck. Dejando a CSI y a las procedimentales a la altura del betún.

2. Omar. Un personaje que merece su propia serie. (como probablemente Bubbles)

3. Kima y su misión de infiltración. Tensión máxima

4. Haciéndose adultos a costa de Wallace

5. La intro, la única música que encontraréis en la serie

Sencillamente genial niños

El fontanero eterno

2010-10-07T01:56:00.000-07:00

Hoy en día hablamos de los videojuegos como una producción alquímica total, los tratamos como un nuevo arte, comentamos su inmersión y analizamos las astronómicas cifras económicas que mueven. En 2010 tenemos un abanico de posibilidades que van desde los juegos en nuestras terminales portátiles a las grandes plataformas hoy orientadas a juegos masivos online y a experiencias interactivas en el salón de casa. Pero todo esta maremágnum lúdico, industrial y cultural no existiría sin un pequeño y regordete fontanero italiano: Mario.

Antes de Mario Bros había videojuegos, como antes de Miguel Ángel había artes plásticas. Pero la llegada de este personaje y sus juegos revolucionó de tal manera el panorama del ocio que lo catapultó a la industria cultural que hoy en día conocemos. Hace un mes este intrépido aventurero del mundo del champiñón cumplío 25 años. El mundo ha cambiado bajo sus bigotes y su voz.

El 13 de septiembre de 1985, salió a la luz en el sitema NES (Nintendo Entertaiment System) el juego Super Mario Bros, creado por el visionario Shigeru Miyamoto (Mario apareció en varios videojuegos anteriores como en Donkey Kong, otro clásico o en el Mario Bros como tal, antecesor del Smash Bros). La revolución fue inmediata. Es más, este juego es considerado por muchos, entre los que me incluyo, el mejor videojuego de la historia, incluídos los más modernos. Lo tiene todo. Divertido, adictivo, sencillo y a la vez complejo, imaginativo, participativo, rápido, con buena música y, de nuevo, divertidisimo. No envejece. Eterno.

Tal es el poderío de este videojuego embutido en cartucho de 8-bits que hoy en día sigue funcionando. Es más, durante décadas su modelo fue copiado y recopiado, con avances tecnológicos, y hoy en día sigue siendo el principal fundamento de muchas de las consolas de última generación: fases, niveles secretos, bosses intermedios, recopilación de items, vidas extras y puntuación. Por ejemplo el God of War, tan lejano en el concepto de un juego basado en un fontanero que quiere rescatar a la princesa Toad del malvado Koopa, tiene la misma estructura. Incluso los Shoot´em up y los Beat´em Up beben de las fuentes de Mario.

Nintendo supo sacar tajada rápidamente de este personaje tan entrañable y lo convirtió en su cara amable. Y lo sigue siendo. Nunca un personaje se identificó tanto con la marca. Por el camino se quedaron otros intentos más o menos fallidos, desde Sonic para Sega, quien ahora comparte videojuegos con su rival Mario, a Crash Bandicoot en PSOne. Nadie, jamás, ha estado a la altura de Mario.

¿Cuál es el motivo de este éxito eterno? Su condición de mito universal. Mario, y por extensión su universo de Luigi, la Princesa, los Champiñones, Koopa, Wario (genial), Waluigi, Bowser, Donkey Kong, Yoshi, ha trascendido a su origen de personaje de videojuego para ser un icono reconocible por todo el mundo. Símbolo de nuevos tiempos, panteón de dioses modernos o quizás un fenómenos de masas que abrió una nueva etapa de ocio electrónico que ahora vive su edad de oro. Mario sustituyó a Mickey Mouse como el símbolo de la cultura popular y su reinado continúa.

Mario también ha sabido renovarse. Desde el magnífico y técnicamente colosal, para el año 88, Mario Bros 3, a las nuevas versiones Galaxy. Mario no evejece, por el momento. Se ha adaptado pasando de la paleta de 8 colores al modo 7, a los polígonos, al modelado 3D, al modo online y al modo cooperativo interactivo. No dudéis de que pronto lo veremos en imágenes de 3D y cualquier otra cosa que venga.

Pero sobre todo Mario ha sido, durante estos 25 años o 29 desde su aparición como Jumpman, fiel a si mismo. Ha sobrevivido a series, parodias y una película infame. Pero en el mundo del videojuego, este fontanero eterno ha sido, y será siempre el mismo. Un héroe simpático, con una voz entrañable (ver video), siempre enamorado de la princesa y siempre dispuesto a la aventura.

Larga vida al fontanero eterno.

Hermanos de Sangre: Héroes y vecinos

2010-09-13T11:42:00.000-07:00

No es quizás la mayor novedad en el mundo de las series, pero gracias a la edición blu-ray he podido volver a disfrutarla a mi manera. Y merece un espacio porque probablemente sea una de las mejores series concebidas, realizadas y ejecutadas de la historia. HBO en estado puro. Inmortal y eterna. Como la II Guerra Mundial.

Hermanos de Sangre está basada en una conjunción suprema: el espíritu yankee y Steven Spielberg, aunque probablemente sean distintas caras del mismo objeto. Basada en el libro que cuenta las hazañas y penurias de una compañía de paracaidistas americanos que, a su pesar, bregaron en las peores batallas de Europa y producida aprovechando el éxito y los resquicios de producción de Salvar al Soldado Ryan. Hermanos de Sangre, con diez capítulos, dos de ellos dobles, es un canto a la mejor televisión.

El éxito de esta serie, que suele gustar hasta los menos belicosos del lugar, no radica en su producción perfecta. Eso es relativamente fácil de conseguir. Ni siquiera de su ejecución narrativa o su planteamiento, cada capítulo está dirigido por un director de televisión solvente (excepto uno de Tom Hanks, que también está al nivel) y escrita por buenos guionistas, que es superior a la media. Sencillamente lo que triunfa es la humanidad y sencillez que trasluce en las diez minipelículas que vemos. Los personajes son creíbles. Todos sabemos que el mayor Winters es buena persona, sufrimos cuando a Joey Toey y Bill Guarnere les revientan en Las Ardenas y al final acabamos queriendo incluso a teniente Spears, porque sabemos que en el fondo él no mató a los prisioneros nazis.

El argumento es errático ya que, como hemos comentado, cada capítulo tiene una estructura narrativa distinta. Los primeros hablan más de hechos para ir girando poco a poco a la interpretación personal de la guerra de los protagonistas. Hay episodios con voz en off y otros en los que todo se cuenta por imágenes. Pero en todos, del primero al último, trasluce un humanismo y una sencillez suprema.

Todo por una sencilla razón. La serie nace de los veteranos de guerra, esas voces humanas que nos cuentan lo que hicieron en Francia, Bélgica, Holanda, Alemania y Austria. Esos hombres que saltaron en Normandía, que saltaron en Amberes, que se atrincheraron en Bastogne y que tomaron el Nido del Águila. Taxistas, estudiantes, empresarios, empleados, gente de la calle, vecinos, soldados, paracaidistas, héroes.

A partir de tal lección de humildad y de historia, todo fluye. Cada capítulo encaja como una pieza en un puzzle complejo pero a la vez sencillo. La unidad, Compañía EASY de la 101 Aerotransportada, evoluciona, los personajes evolucionan y la serie evoluciona. Hasta el magnífico final.

El tratamiento de la muerte, no como nada heroico sino como algo impactante, desconocido pero cercano, hace que la serie sea de una dramatismo lírico superior. El mayor ejemplo es el capítulo de los campos de concentración, ¿Por qué luchamos?. Pero desde el principio, desde el entrenamiento en Tokoa y el salto en Utah, la muerte está presente. Y por tanto la vida.

Vida y muerte de veteranos que, en sus palabras, "no fui un héroe, pero serví en la compañía de los héroes". Historias de gente cercana. Magistralmente contadas, magistralmente cercanas, magistralmente eternas.

PD: Ojalá, sólo ojalá, haya un valiente que lo haga aquí en España. Antes de que su memoria se pierda en la tormenta de gritos.

Futurama: Cuatro obras maestras

2010-09-03T02:15:00.000-07:00

Muchos de vosotros estáis ya paladeando la nueva temporada de Futurama. Nosotros disfrutamos, lenta y suavemente como exige el gusto, de las cuatros joyas en forma de película que nos han dejado los artistas y creadores de esta obra maestra nacida ya en el lejano 2000. Aunque gestada en los 90 como muchos guiños de Los Simpson nos indican ("siempre he pensado dejarlo todo y dedicarme a escribir una serie de un robot respondón").

Tampoco vamos a descubrir la pólvora al hablar de Futurama. La serie, hasta que la cancelaron, sencillamente mejoraba a cada capítulo y superaba, con creces, todo lo visto. ¿Mejor que Los Simpson? No entraremos en ese debate...aún. Lo único cierto es que la cancelación convirtió las seis temporadas existentes en seis joyas para la eternidad. Sobre todo porque sus creadores, no somos dignos, tuvieron que rematar todas las tramas en una temporada y demostraron que, o bien están perturbados, o bien son unos visionarios únicos en el mundo. La sombra de mordisquitos lo dice todo. Un sólo fotograma que resume la genialidad de esta obra.

Pero aquí hemos venido a hablar de las cuatro películas que en el periodo de entreguerras se produjeron. Los ejecubots de la cadena, la Fox, decidieron aprovechar la rentabilidad de la serie, cuyas cajas de DVD volaron, literalmente, de las estanterías y les dieron la oportunidad de hacer cuatro largos. Libertad total por supuesto. De fondo, la promesa de nuevas temporadas.

Pues bien, los cuatro largometrajes de Futurama: El gran golpe de Bender, La Bestia de un Millón de Espalda, El juego de Bender y Hacia la verde inmensidad, no son capítulos extendidos. No. Todo lo contrario.Son obras maestras de la animación y de la narrativa moderna.

Las cuatro películas, diseñadas en continuidad pero independientes en si mismas, condensan y destilan toda la genialidad de la serie. Pero no se quedan ahí. Con los personajes completamente desarrollados y complejos, son ejercicios de narración perfectos y sobre todo compendios de humor, del mejor humor visto en milenios por estos pagos.

Desde los viajes temporales de la primera película, furiosa respuesta a los que consideraron la Paracaja de Fansworth como el capítulo más freak de la serie y que supuso el fin de la primera etapa de cara a los productores, a la solemnidad de la última película cuando se enfrentan al sentido de la vida. También destacable la explicación de Dios, ya lo hicieron muchas veces en la serie, del segundo metraje y, para mi, el entrañable y reconocedor homenaje a Gary Gyax del terce film, homenaje completo a un sector de su audiencia que juega a rol y vive la vida a su manera. Tremendos.

Más allá de los conceptos y de la forma de narrar, genial y sublime dejando la película de Los Simspon en basura, Futurama incide en lo mejor de la serie: los guiños y la intrahistoria. Personajes que aparecen y desaparecen, tramas estúpidas que luego cobran sentido, referencias contínuas a la serie y muchas intrahistorias. (¿soy el único que puede salvar el mundo? Eso ya lo sabía). Un dictado magistral, completo e irrepetible de metahistorias. Un ejemplo: Mordisquitos se sorprende de que todos sepan que habla. ¡Claro, se olvidaron de borrarles la memoria en el último capítulo!

Una oda a la inteligencia y al humor, clave de Futurama, que se encuentra en los detalles, en las frases y en los gags contínuos. Ritmo, humor, sabiduría. Porque Futurama está hecha por y para sabios. Porque es la cultura. Porque nos habla de Dios, nos habla de las relaciones humanas, de la trascendencia universal y de las leyes físicas. Y, sobre todo, nos hace reír y pensar. Pensar y reír.

A disfrutar con la nueva temporada.

Hola, hola!!! La magia de la radio

2010-08-28T10:34:00.000-07:00

Los medios de comunicación se han convertido en máquinas de hacer dinero, donde los intereses comerciales y políticos priman por encima de los intereses de los públicos y audiencias. Lamentablemente, sus gestores no son para nada eficiente y las distintas televisiones, radios y periódicos se han convertido en pozos sin fondo. Sin alma, sin escrúpulos y encima si dinero.

Este corporativismo explotó este verano en el campo del periodismo deportivo, quizás el más jugoso y rentable de todos. Y el menos serio. Las luchas de egos y la implacable despersonalización de las radios, para cuyos directivos la marca está por encima de lo hombres que la hacen, acabó con un culebrón entre la SER, la COPE, con Paco González y Pepe Domingo Castaño en el ojo del huracán.

Todo este tobellino veraniego finalizó ayer con unos mágicos diez minutos de radio de corazón, directa al oyente, que en el fondo es una persona más que aprieta un botón y pone voluntariamente el dial donde sabe que lo va a pasar bien. Los diez minutos de Pepe Domingo, unidos a otras introducciones veraniegas, son pura radio, pura magia, puro sentimiento.

Se esperaba este inicio, pero no deja de ser emocionante. En el otro lado la cadena SER apostó por la marca, por hablar de fidelidad, por apelar a la veteranía y no al individualismo. La COPE, y todo el equipo que ha "emigrado" apostó por la nostalgia, por la liturgia mágica de la radio, por el sentimiento, por la libertad.

A pesar de que esta guerra estuvo motivada probablemente por la intransigencia de ambas partes, por el dinero y por terceros que metieron baza, no deja de ser curiosa la postura de la SER, confiados en que su marca pesa más que los individuos. Creen que como les salió bien con Gemma Nierga y Gabilondo, pues por qué no ha de salirles bien con Carrusel.

Personalmente creo que se equivocan. La radio deportiva es otra cosa y el equipo que ahora tiene la COPE, ha dado tantas tardes de magia y alegrías a los oyentes, que han convertido su programa en un encuentro de amigos en torno a un micrófono. Ellos no son individuos. Son las voces que nos acompañan los domingos. Magos del micrófono.

Una última reflexión. Creo que se ha visto el verdadero potencial de las Redes Sociales y de toda la parafernalia 2.0. Existe. Y es un poder. Porque ahora, más que nunca, el usuario puede hacer público y colectivizar su malestar. Dar sus opiniones e influir en los medios. Cambios. Muchos cambios.

http://www.as.com/deportes/audios/escucha-primeros-minutos-carrusel-deportivo/csrcsrpor/20100827csrcsrdep_7/Aes/

Hitos de los juegos de Rol:Vampiro, La Mascarada

2010-08-26T01:55:00.000-07:00

Los años 90 eran un hervidero de malas vibraciones. Muchos lo llamaron la Generación X, otros el efecto del milenio pero lo cierto es que las cosas habían cambiado para siempre, probablemente tras el fin de la Guerra Fría. Ese cambio llegó a los juegos de Rol, cuando la industria empezó a convertirse en algo, digamos, maduro. En 1991 salió a la luz Vampiro, La Mascarada, quizás uno de los mejores juegos de rol de la historia y, sin duda, el que más influencia ha generado en nuestro país.

Los vampiros siempre han molado mucho, menos los de Crepúsculo que dan pena, y era evidente que un juego de rol sobre ellos iba a acabar llegado. La premisa de Vampiro, La Mascarada, era muy buena y simple. Los vampiros existen y han cambiado el mundo. De esa manera conseguía crear una ambientación conocida como "gótico-punk". Es decir un mundo soñado por Joy Division donde Robert Smith sería un alegre colegial. Los cambios, sutiles, entre el mundo "gótico-punk" y nuestra realidad precisamente venían provocados por la existencia de los vampiros.

La premisa es muy buena, pero el autor, Mark Rein-Haguen, consiguió llegar un poco más y romper moldes. No sólo porque fuese un juego ambientado en la modernidad, sino porque se basó en un, autoproclamado, "sistema narrativo". En Vampiro no se buscaba el combate, ni los dungeons, ni nada. Era un juego en el que se buscaba interpretar. La esencia del manual básico, que se perdió como luego veremos, era el drama de la interpretación de un monstruo, del vampiro, del malo. "Monstruos somos para en monstruos no convertirnos".

El juego era muy lírico, probablemente amado por las hijas de Zapatero, y la figura del vampiro era increiblemente poderosa, fuerte y sugerente. Hijos de Caín, monstruos andantes en un mundo vapuleado por el mal, la única opción era sobrevivir. Rescatando la figura de Bram Stoker y Polidori y actualizándola en un entorno punk y moderno, fue el máximo acierto.

El sistema de creación y de juego era sencillo, tiradas de dados de 10 contra una dificultad fija y números de éxitos. Los poderes vampíricos y algunas dinámicas como el frenesí, estaban realmente conseguidos. En general no se primaba el combate y se conseguía un gran equilibrio. La esencia del juego consistía en ocultarse de los humanos y luchar en un ajedrez eterno con otros vampiros, lo que le daba mucho potencial.

Pero como todos los seres sobrenaturales, Vampiro tiene un punto débil, muy débil. El juego venía con una idea de ambientación preparada. La Camarilla, los Clanes, el Sabbat, como punto de partida eran muy buenos, pero, lamentablemente, tuvieron la mala idea de desarrollarlo hasta convertirlo en Mundo de Tinieblas, una serie de juegos y suplementos basada en el Vampiro. Al final los humanos escaseaban y diez de cada quince personas que pululasen por callejones oscuros en las noches de Chicago eran vampiros, magos o hadas. Lamentable.

También hay que reconocer que era un juego muy individualista, como el concepto de vampiro que defendía, y también "de salón". Incitaba a sentarse en salones y reservados de discotecas y planear hasta el fin del mundo. Si el Narrador conseguía dominar esta clave de juego y los jugadores entraban al trapo, era memorable. Si en cambio estaban más acostumbrados al mato, registro y subo de nivel, quizás se encontrase fuera de si. Los Clanes eran divertidos pero al final demasiado conflictivos entre ellos.

No obstante el juego rompió moldes y se conviritó en un éxito mundial. Llevó al juego de rol a su madurez definitiva y abrió la puerta a muchos escépticos. El juego se adaptaba muy bien a todos los estilos y en el fondo, todos queríamos ser vampiros maquiavélicos que durante siglos gobernasen una ciudad mientras chupaban sangre inundada en cocaína (....).

El éxito del juego en España fue arrollador. En aquella época las antorchas cercaban a los roleros por el asunto de los descerebrados de Razas y la carnaza de A3 dándole caña al asunto. Pero al final se impuso la realidad. La realidad que el rol es un arte en el que se cuentan historias, en el que los jóvenes, y no tanto, se divierten y dónde se impulsa la creatividad y un sinfín de valores más.

Vampiro, la Mascarada, es el juego de rol moderno por excelencia por sistema, ambientación, concepto e influencia.

PD: Quizás el suplemento que más me gustó fue el de Cazadores Cazados, que hablaba de los cazavampiros, pero desde una perspectiva humana. Gente límite, enfrentada a la realidad de los vampiros y que se veían obligados por sus convicciones e historial a matar a muchos que, por otra parte, eran más humanos que ellos.

Origen: Menos es más

2010-08-18T01:13:00.000-07:00

En Origen nos encontramos con una película y un corto al mismo tiempo. La película es bastante buena y completa, muy cinematográfica y digna. El corto es una coreografía de acción y efectos puestos porque sí, que deslucen el resultado final. Pero no lo ensucian. Si prescindimos del corto y nos quedamos con la película, quitándole una media hora accesoria, tendremos un buen thriller.

Origen es un buen manual cinematográfico en muchos aspectos. Desde el uso de un argumento original pero también recurrente, el mundo onírico y los grupos de ladrones de guante blanco, al desarrollo de la trama, la complicación de la misma y el dibujo de los personajes a través de trazos profundos y complejos. También es un compendio, y esa es su mayor virtud, del uso de la información, su dosificación al espectador, los dobles giros, las vueltas de tuerca y la resolución efectiva de todas las tramas, trampas e indicadores que han ido plantando a lo largo del metraje. Sin efectos ni persecuciones, con diálogos y planos cortos. Menos es más.

Donde patina un poco, sólo un poco insisto en que es un ejercicio magnífico de cine, es en la tensión. Nolan, quizás influenciado por el desquiciante y tremendo final del Caballero Oscuro, quiere conseguir un in crescendo contínuo hasta el último minuto. Lo consigue con el juego de los tiempos en los sueños y sembrando la duda, por otro lado esperable, de si todo es un sueño o no (quizás este sea el origen de Origen, plantar en la cabeza del espectador la duda). Pero, siguiendo la terminología propia de la película, no consigue dar con la idea sencilla que lo mueva todo. Sencillamente por cuando las capas argumentales y de tensión se superponen, cuando la trama del protagonista se revela (una trama por cierto que podría haberse dosificado más), irrumpe esa especie de corto ciberpunk de peleas militares en la nieve, bailes a gravedad cero y furgonetas en caída libre. Y claro, no se pueden manejar durante más de cuarenta minutos siete elementos distintos e intentar que la tensión del primer minuto continúe. Es imposible.

Que la película no haya conseguido alcanzar la tensión que se proponía en su concepción, no significa que no haya fracasado. Todo lo contrario. Es un éxito. En esos cuarenta minutos de caos y caídas libres, hay hilados, de manera hábil y en ocasiones sutil, argumentos para alimentar otras cinco películas de 90 minutos por lo menos. Eso es el éxito de Origen. La capacidad de entremezclar toda la información y colocarla en el lugar adecuado y en el momento preciso. Enganchar al espectador con buenas ideas y buena realización. Ser trepidante. No ha conseguido ser el atormentado final caótico pero a la vez ordenado que quería ser, pero si ha conseguido tener una hora final que no dejará indiferente a nadie. Aunque quizás le falte ese último giro que deje al espectador sentado un buen rato en la butaca preguntándose qué cojones ha pasado (ver el final de Sunshine o de Blueberry para entender lo que es un viaje onírico). Nolan apuesta por un final feliz. Es una elección.

Dos apuntes rápidos. Gran acierto al huir de la estética Matrix y del tiempo de balas. Ya está bien de esa estética tan sobreexplotada. También gran acierto en el casting. Leonardo di Caprio es un magnífico actor, aunque quizás su personaje exigiese un matiz más oscuro o más límite, no tan mesurado, no obstante las conversaciones con su mujer son muy duras y el quid de la película. Lo más sencillo, un diálogo y su contenido, es lo más grande.

Toy Story 3: El arte de crecer

2010-07-28T01:43:00.000-07:00

¿Es posible que un dos vaqueros de trapo, su caballo, un muñeco de acción, dos misterpotatos, un perro de muelle, una hucha de cerdo y un dinosaurio de plástico afronten una muerte horrible con dignidad, entereza y unidos como una familia? Por supuesto que es posible. Con Pixar y Lasseter de por medio todo es posible. Toy Story 3 es otro ejemplo de lo que puede hacer la mayor máquina de sueños del mundo y probablemente la mejor productora cinematográfica de la historia. Hay más talento en diez segundos de Toy Story 3 (o en su corto previo) que en diez años de producciones españolas. Triste, pero cierto.

Lo que caracteriza a Pixar es que rompe moldes. Lo fácil sería encontrar un modelo de explotación y agotar el filón, al más puro estilo Disney. No. Cada cita con la animación, es una historia diferente, que cuenta cosas diferentes y que lo hace de una manera sublime. Cine para el disfrute, para las neuronas y para la emoción. Perfección en forma de película. En esta ocasión los protagonistas franquicia de la marca, que no han sido sobrexplotados como otros (me refiero a un ogro verde que en un tiempo fue divertido), se enfrentan a la dura realidad: la madurez, con todo lo bueno y lo malo que implica.

Quizás Toy Story 3 no tenga las referencias y dobles sentidos tan impresionantes de su antecesora, ya que deriva muchísimo en la acción desenfrenada. Pero sigue manteniendo una característica que la hace diferente y la encumbra: los personajes.

No sólo nos referimos a los conocidos Woody o Buzz Lightyear, sino a los secundarios que aparecen. Destaca la triada de juguetes perdidos: el oso mafioso y resentido que huele a fresa, el bebé gigante que da auténtico pánico (con una referencia final al Retorno del Jedi sublime) y Mister Sonrisas, el payaso triste y olvidado. Sin olvidarnos de Ken, auténtico metrosexual e icono de del hombre moderno en la Casa de Ensueño. Estos personajes salen relativamente poco, Toy Story 3 tiene muchísimo personajes y no hay tiempo para profundizar en todos, pero en cuatro pinceladas ya se convierten en míticos. Así lo hacen con todos: el erizo actor, el mono vigilante (increíble), el teléfono prisionero y un largo etcétera. Los dobles juegos de la guardería y la cárcel, o incluso el campo de concentración, son muy divertidos y también espeluznantes.

Pixar siempre consigue alcanzar la perfección durante una o dos secuencias. En sus dos últimas cintas, Wall-E y UP, lo hizo al principio, con inicios magistrales e históricos (bueno Wall-E es genuinamente brillante desde el segundo uno a la última línea de crédito). En Toy Story3 reserva la artillería para el último cuarto de hora. Un cuarto de hora en que un servidor se pasó lagrimeando bajo las gafas 3D. (no merece la pena pagar el extra por cierto, esto del 3D se está convirtiendo un poco en un timo).

En ese momento, cuando las aventuras ya han acabado, el torrente de sentimientos salta el dique y nos muestra la grandeza de los personajes, de la historia y de todo. Desde el enfrentamiento a una muerte segura por parte de los protagonistas con la mayor dignidad del mundo, a la vuelta a casa, la asunción de la madurez y una despedida pausada y detallada, una sorpresa en medio de la tormenta de acción, que homenajea a cada muñeco y a cada protagonista. Especialmente a Woody, ojito derecho de los productores (aunque la escena más divertida de la película es el reseteo de Lightyear en modo hispano, con una versión de Hay un amigo en mí al estilo Gipsy Kings por la que merece la pena pagar entrada).

Probable final de una saga, y un gran final. Toy Story es el ejemplo de que las historias tienen que evolucionar, desarrollarse y que todo tiene un principio y un final. Y que todo puede contarse magistralmente. El cine está para eso.

Hitos de los Juegos de Rol: El Señor de los Anillos

2010-07-23T04:33:00.000-07:00

¿A qué jugador de rol no le ha gustado alguna vez ser un Montaraz del Norte y salvar a cuatro hobbits piojosos de la muerte? ¿Quién no querría emular a un elfo noldo y vivir sus últimos años en la Tierra Media viviendo aventuras? ¿Renunciarías a ser un enano que desentierre los misterios de Khazad-Dum? Era evidente que El Señor de los Anillos tendría su contrapartida lúdica y la respuesta llegó pronto con El Señor de los Anillos. Conocido también como MERP (Middle Earth Role Playing).

A pesar del mucho cariño que le pueda tener a este juego, fue el primero que dirigí y además recuerdo que costaba 3.500 pesetas pero por un fallo de etiquetación en Pryca me lo dejaron por 500, lo que para un chavalín de once años es un tesoro, hay que reconocer que ha envejecido terriblemente mal y hoy no le veo más que fallas.

El sistema era una versión "light" del Rolemaster, también conocido como el juego del infierno. A pesar de ser un juego de rol, se acercaba muchísimo a una complicada declaración de hacienda. Básicamente se basaba en un sistema de dado de 100 con bonificadores y penalizadores (miles de ellos) y resultados aplicados a tablas. Así para atacar tenías que consultar tablas, para hacer acciones igual y también para prácticamente cualquier cosa que emprendiese el personaje. Sólo hay que decir que la pantalla en si misma iba acompañada de 16 folios de anexos. Fácil y llevadero, lo que se dice, no lo era.

Además del farragoso sistema de combate, salvo los críticos de los que hablaremos más abajo, el juego en si mismo estaba muy descompensado. Para empezar tenía la típica tendencia de beneficiar al combatiente, dejando a los magos y animistas (clérigos) con el culo al aire. Usaban un arma penosamente y sus hechizos a niveles bajos les permitían, por ejemplo, hervir agua o hacer que las raíces se apartasen de tu camino. Propio de Gandalf.

Aunque la creación de personajes era muy divertida, por la cosa de tirar dados para la característica, luego todo se reducía a elegir raza. Y punto. Una vez aquí las desigualdades eran brutales, porque si usabas la tabla aleatoria te saldrían humanos normales pero si elegías, los dunedain, elfos o medio elfos eran brutales. Sus bonificaciones y habilidades innatas se compensaban por menos armas mágicas que los demás. Pero en el fondo todo el mundo llevaba como mínimo un multiplicador de Puntos de Poder o una espada +10 así que ¿para qué cogerte un humano normal? Además el sistema de experiencia era rácano de narices y no había progresión más que encontrar objetos mágicos.

La única, por decir algo, parte divertida del sistema eran los críticos. Tras consultar el daño que le hacías a tu enemigo, tenías que tirar en otra tabla en la que venía un resultado de daños extras: desde un pequeño golpe en la cabeza que aturdía al contrario a la sección de la yugular en tres partes. Eran increíblemente divertidos y sin duda la salsa del juego. Había de todo. Desde congelación, golpe a penetrantes y de arma de asta. Las tiradas altas eran un descojone y una masacre. La contrapartida estaba en la pifias, con armas y sin ellas, que hacía subir el número de personajes mutilados y sin pies a cotas espectaculares.

Pero este sistema tenía un grave problema. Una simple ecuación matemática. Pongamos que un personaje luchaba una media de cinco veces por aventura y el combate, dada la alta letalidad, suponía tres tiradas por vez. En total quince tiradas de ataque, quince posibilidades de crítico si, pero repartidas en cinco encuentros. En cambio el master tenía quince posibilidades de crítico contra un sólo personaje. Así de sencillo. El personaje mataba a muchos pero por mera estadística sería víctima de un crítico tarde y temprano. Lo mismo con las pifias. Dado que el número de PNJs era infinito y el PJs no, daba como resultado personajes con pocas posibilidades de ver tres telediarios seguidos.

Más alla del sistema, el trasfondo tampoco era muy trabajado. O mejor dicho, la ambientación. Como hemos dicho arriba las aventuras y el sistema se basaba en la búsqueda de encuentros, de cualquier tipo, su resolución y la obtención de tesoro (y de mutilaciones terribles de por vida). Poco parecido a la épica de Tolkien.

Tampoco encajaba en la idea de la Tierra Media el sistema de magia e incluso el sistema de razas era poco fiel. Hay que reconocer, no obstante, que es difícil encajar fielmente la Tierra Media en un sistema, pero en la ambientación podrían haber sido más ambiciosos. Más allá de los "aventureros".

Por otro lado el trasfondo, con decenas de suplementos, era impresionante y mejoraba mucho al básico. El problema era que los PNJs de ese trasfondo estaban a años luz de los PJs y todo se quedaba en un bonito compendido del mundo de Tolkien con pocas posibilidades para un juego continuado y divertido.

En conclusión que hablamos de un juego de bastantes carencias, muy orientado al combate y al rol más "adolescente" y que da momentos divertidos, sobre todo por las tablas, pero complicado cuando quieres profundizar más.

Productores, no son de este reino

2010-07-02T01:03:00.000-07:00

Se pueden hacer películas buenas o malas. Puedes decidir invertir tu presupuesto en calidad o simplemente apostar por los resultados descarados. Puedes entrar en la historia inmortalizado en el séptimo arte por hacer una obra maestra o en las listas de las más recaudadas. En esto del cine, como en todo lo que se precie, hay una pluralidad arrolladora. La única norma lógica es que la película deba gustar a los espectadores, a todo el espectro, desde el selecto grupo minoritario de la élite que ve película afganas dobladas al dialecto original de los indios Malbranche de los Apalache, al gran público que sólo quiere un chute sucio y rápido de tetas, tiros y risas. Si la película gusta, da dinero o prestigio y si tienes suerte o lo haces bien, pues da ambas cosas.

Bueno. Pues imaginad una saga que ha facturado la friolera de 2.500 millones de dolares en el mundo con tres películas. Dos de ellas, especialmente la segunda, también muy bien consideradas dentro de lo que cabe. Por otro lado la dificultad de llevar a un icono al cine fue superada con creces y en general la saga fue un éxito. Me refiero a Spiderman, que a estas alturas ya debería tener su cuarta película, tras la infame tercera parte, con Sam Raimi a la cabeza, con Tobey McGuire, Kirsten Duntz y un villano de relumbrón como Jonh Malkovich as El Buitre.

Pero no. Les dieron, hace un par de años, la patada el culo y ahora han decidido iniciar de nuevo la saga. Spiderman vuelve al instituto ¿Por qué? Fácil. La película original cumple diez años y hay una generación de adolescentes, que nacían o daban sus primeros pasos por aquella época, que no han pasado por caja. Así son las cosas, cada diez años viviremos revivals contínuos de grandes o taquilleras películas. De nuevo fue George Lucas, villano de esta historia, quién abrió la caja de los truenos.

Eligen un aspecto de Spiderman muy explotado y facilón. Su vida como pringadete del instituto, una línea que en los últimos años se ha visto reforzada en los cómics. De nuevo para que la gente pase por caja por supuesto. Los jóvenes nuevos, los recién enganchados y los viejos rockeros que se comprarían un cómic de Spiderman aún cuando estuviese relleno de caca reseca de un mendigo con tifus.

En nada queda aquel Spiderman profundo y adulto que nos dibujó McFarlane. O incluso, retrotrayéndonos a los tiempos de adolescencia y años universitarios, aquel capítulo mítico, épico y nunca jamás superado de la muerte de Gwen. Probablemente el acto más reivindicativo de la adultez en la historia de los cómics. El cuello partido de Gwen (SNAP!!!!) fue el pistoletazo de salida a un mundo más adulto. Ahora volvemos de nuevo atrás, a la caverna.

Se prevé una cinta cutrosa y mala hasta la saciedad. Con estrellas guapetonas, buenos efectos especiales y un saco de frases hechas. Una recaudación superlativa y grandes beneficios para sus productores por las franquicias burguenkinistas. Y así cada diez años, hasta el fin de los tiempos.

Malditos productores.

Kick Ass: Cine 2.0

2010-06-05T17:21:00.000-07:00

Kick Ass es una genialidad que brilla en el panorama nada original del cine moderno. Es sencillamente brutal. Cualquiera que crea que se va a enfrentar a una película del tipo Scary Movie o Casi 300 se va a quedar con la mandíbula desencajada. Kick Ass es una película, de género, de género de superhéroes y es una de esas cintas llamadas a convertirse un hito en esta temática, como, efectivamente, lo fue Pulp Fiction o Matrix por ejemplo. La arrolladora campaña de marketing puede asustar, pero por una vez está más que merecida ya que es una adaptación tremende de un cómic destinado al cine.

¿En qué se diferencia esta peli de superhéroes de otras que pueblan, y poblarán, las pantallas de cine? Fácil. Kick Ass está planteada como una película 2.0, es decir, destinada al público actual que cuenta con unos códigos distintos y cambiantes. El panoli que se viste de verde y recibe palizas es mucho más cercano a nosotros que Spiderman, por mucho que se empeñen en reinventarlo. El policía chiflado que pierde el norte y se pone un máscara, es el Batman que debiera ser, por muy bien que estén las últimas cintas del murciélago. Los códigos que maneja esta película, códigos 2.0, la elevan sobre el resto. Es lógico, Spiderman nació hace 60 años, Kick Ass hace dos.

Pero aún hay más. Los autores de esta cinta sabían que darle un tono demasiado engolado a las historias de héroes podría llevarles al fracaso, de nuevo tenemos Batman como honrosa excepción. Pero eso no significa que se pierdan en la autoparodia o simplemente la idiotez infantil. La película es justamente lo realista que debe serlo, ni más ni menos. Se mueve como pez en el agua en esa línea que separa lo grotesco del humor blanco.

Acierta en el tono, pero sobre todo acierta en las formas. Kick Ass tiene un ritmo interno muy bueno. Tras las tonterías, las bromas y los gags, siempre aparece una escena macabra, sórdida o simplemente terrible. Los estallidos de violencia, acompañados de humor negro muy fino, te van metiendo en una atmósfera bastante cruel. Porque los malos llevan pistolas y queman vivos a tipos, porque los buenos revientan caras y matan a los héroes. Porque Kick Ass recibe una puñalada atroz en su primera incursión, momento en el que la película se pone seria pero también macabra. Puntazo.

Con estos méritos ya tendríamos una película que salva los muebles. Pero va más allá. Se empeña en beber de todos los géneros posibles y reinventarlos en función de las necesidades, incluida una secuencia propia de los videojuegos y un mini corto de animación. Revisa todos los clásicos de los héroes, desde el justiciero desquiciado al héroe adolescente pasando por los amigos frikis, el ayudante sin piedad o la chica enamorada para adaptarlos. Todo ello en un ritmo trepidante y violento, in crescendo, muy acostumbrado a lo que vemos en nuestro entorno 2.0.

Y todo ello sazonado con millones de guiños freaks que convierte la cinta en un claro ejemplo de humor referencial, es decir, una escena que tiene múltiples capas de comprensión, desde la más obvia, la visual, a la más refinada, esos guiños cinéfilos y referencias a otras películas y momentos de los cómics. Todo sin caer en el frikerio descontrolado, siendo comprensible para todos. La música, esa canción de Ennio Morricone antes de la batalla final es increíble o la melodía clásica de Haendel mientras descuartizan a un villano, ayuda muchísimo.

Si todo esto no es suficiente para reconocer un clásico, del género, nos queda una baza increíble que son los personajes (la historia es divertida pero es lo de siempre, lo que demuestra que se pueden hacer las cosas bien con un par de tópicos reinventados). Destaco a Nicolas Cage, que da empaque a la película con un personaje paródico de Batman, que en momentos da bastante miedo. Bien por Nicolas, tras las mierdas que nos había facturado últimamente. Otro personaje muy grande es el villano, ese mafioso, padre de familia, completamente perturbado que de repente se encuentra con unos héroes enmascarados que le joden la vida. Un gran trabajo y un gran personaje, que marca el lado oscuro de la cinta, lo que le da la vida. Evidentemente reseñamos a la niña que se convierte casi en la verdadera protagonista de la historia y que da pie a los mejores momentos de la cinta. No debe gustar el Holywood una niña que diga tacos como un camionero mientras descuartiza a los sicarios. Una gran triada acompañada por un personaje principal también bastante bien caracterizado, que se aleja del estereotipo del tipo raro.

Han dado con la fórmula, han conseguido una película totalmente 2.0, con la que se pueden identificar las nuevas generaciones y con la que puedan disfrutar, de manera perversa, los viejos rockeros a los que le gusta el género. No hay duda de que como peli de superhéroes, Kick Ass, ha obtenido una matrícula de honor.

Hitos de los Juegos de Rol: Star Wars

2010-06-04T03:40:00.000-07:00

¿Quién no ha soñado con saltar sobre un precipicio en el corazón de la Estrella de la Muerte con la Princesa Leia en brazos? Bueno, si no has soñado con eso puedes prescindir de seguir leyendo e irte con tu gorrilla a algún megacentro comercial. Nosotros rezaremos por tu alma. El resto que se quede, porque seguro que pudieron ver cumplidos sus sueños con Star Wars: El Juego de Rol.

Normalmente el Universo Star Wars Expandido es bastante basura. Cientos y miles de cosas para vender y sacar más dinero aún. Pero el caso del juego de rol es todo lo contrario. Tenía y tiene mucha calidad y aprovechaba toda la trama de las tres películas iniciales con potencia. Era un juego extremadamente sencillo, hipersencillo, vamos a prueba de lerdos.

El sistema se basaba en la asignación libre a atributos y habilidades y una tirada acumulada de dados de seis contra una dificultad base. Y ya está. Con esta maravilla de la sencillez y un par de reglas especiales podías hacer lo que te diese la gana en Star Wars. Desde pilotar una caza en un campo de asteroides y combatir con un sable de luz en medio de una volcán por el destino de la galaxia (llorad por la ocasión perdida, oh, fans de la saga). Todo podía darse. La progresión era bastante buena y el nivel de "muertes" no era muy alto. Digamos que el juego estaba pensado para beneficiar a los personajes, muy en la línea de Star Wars.

Además del básico, que era muy bueno, con mucho material extra y bastante tiempo dedicado a la creación de trasfondo, fueron apareciendo suplementos más o menos buenos. Desde atualizaciones referentes a las películas a Guías Avanzadas como reglas extras. Quizás lo más jugoso de estas ampliaciones son las campañas autojugables como la mítica Estrella Rendida (o algo así) en el que luchabas en el corazón de un superdestructor estelar.

Star Wars es un juego divertido, muy divertido. Sencillo, rápido y que te permitía hacer lo que quisieses. Quizás no tuviese profundidad a la hora de llevar un caballero Jedi, porque no eran profundos sino tipos divertidos por aquel entonces, pero con un sistema tan sencillo como el de los Puntos de Lado Oscuro, conseguía dar dramatismo al asunto.

Quizás no fuese el más completo pero si el juego con el que encajaba perfectamente el estilo Star Wars. Hoy en día pocos lo pueden superar. Sobre todo las nuevas y penosas versiones de D20 que han llegado con las nuevas y penosas películas y series, y demás basura galáctica.

Respecto a mis experiencias personales fueron muchas como jugador y como director, llevando sagas de jedi como deben de ser, no al estilo George Lucas. Pero sin duda me quedo con mi Jawa piloto espacial y arreglador de armas. jeje. UTINIIIIIIIIIIIIII!

Red Dead Redemption: En tierra de nadie

2010-06-01T09:02:00.000-07:00

Escribir de vez en cuando de videojuegos tiene una parte mala. Cuando calificas a un juego como probablemente el mejor juego de la historia, pues rápidamente te quedas desfasado. Bueno aquí tenemos la evolución de uno de los mejores juegos de la historia: el Red Dead Redemption. Una evolución o quizás una involución, sin duda un "rara avis" condenado a vivir al margen de la ley.

Era un juego muy esperado que pasó por varias fases y proyectos. Al final lo tomaron en sus manos los desarrolladores de Grand Theft Auto y aplicaron la fórmula del éxito, el estilo reconocible y el ADN de la saga. Sólo que esta vez no estábamos en medio de Nueva York, o Liberty City, sino perdidos en medio del desierto porque se trata de un western. A este cambio conceptual hay que añadir un sobreesfuerzo por crear un modo online antológico, pero sin traicionar el género.

El resultado es extraño. Es un buen juego, pero no un hito. Me atrevería a decir que lo que le condena es precisamente lo que le ensalza, es un juego de género. Un juego marcado por la temática. Eso está muy bien, pero también hace que flaquee. Se encuentra en un estado complicado de describir, ni bandido, ni sheriff, sino más bien un fuera de la ley.

Al principio el juego te impacta y cabalgando te detienes en un lago, o quizás flipas gritando en medio de una tormenta nocturna. Pero en algún momento te cansas de cabalgar por caminos polvorientos y echas de menos un taxi amarillo. El sistema para simular duelos está bien, pero lo limitado de las opciones, es el oeste no los Balcanes, acaba siendo repetitivo. El protagonista mola, pero no mola tanto como Niko Bellic, y ya nos cansamos de ver tipos que arrastran un pasado largo y lleno de matices. Lo mismo al resto de personajes, son un poco de lo mismo pero en otra época.

Es decir, que su punto fuerte, la ambientación y el impacto en el juego, lo deforma todo y convierte el juego en una pieza muy rara, que se puede disfrutar pero también te puede cansar. No hay mucha inmersión y eso puede echar a más de uno atrás. A pesar de ello puedes gozar de buenos momentos y un puñado de clichés bastante divertidos que hacen referencia a todos los clásicos.

El modo online, potenciado, no puede ocultar que tanto en el sistema de manejo como en el motor gráfico hay bastante errores que acaban con la magia. Además no es más que un sistema online orientado a grandes jugadores, pero sin mucha gracia. Los combates online de Call of Duty eran divertidisimos por su variedad. Aquí acaban cansando. Por mucho que nos vendan situaciones típicas de películas, como caer de un tejado, no de ser una experiencia "hide and shot" muy aburrida.

En conclusión que sin ser un juego para nada malo, es un juego raro, donde todo suena a rancio y visto, y que no acaba de llenar del todo al que tenga que elegir entre este y otros más adictivos, frenéticos y divertidos. Ahora bien, si te gusta cabalgar, cazar lobos y los personajes border, pues quizás merezca la pena.

Hitos en los juegos de Rol: AD&D

2010-05-27T08:04:00.000-07:00

Dos consideraciones. Primera, abrimos la típica sección de ranking "me gusta y no me gusta" que podéis encontrar en miles de blogs frikis. Segunda, sólo un pequeño porcentaje de vosotros enteréis las misteriosas palabras que vertiremos en esta etiqueta, lo llamamos el perfil Frasier Crane. Y ahora a la madera, hablemos de juegos míticos.

Advanced Dungeons &Dragons. 2ª EDICIÓN

Hablamos de EL juego. Padre, madre, hijo y espíritu santo de los juegos de rol. Pionero y probablemente último superviviente en la tierra de los juegos de rol. La primera edición era buena, pero la segunda se salía (y se sale). Se trataba de un reglamento genérico, que no estaba ambientado en ningún mundo y por lo tanto era cien por cien adaptable a cualquier entorno fantástico medieval. El sistema, a pesar de lo que pueda parecer, era bastante sencillo. Creación de personajes con tiradas de 3d6, elección de clase, asignación de pericias y luego un sistema bastante simple usando el D20 y diversos dados para los daños. La magia se basaba en el lanzamiento de hechizos, había miles de millones, automáticos a los que se oponían tiradas de salvación. Lo que no tenía cabida en este sistema, pues se arreglaba con alguna tabla porcentual o algo así. La progresión era lineal a través de niveles.

Si este sistema tan apañao y cuco funcionaba, el sistema de creación de mundos para el DJ también. Lo cierto es que la leyenda negra dice que era todo aleatorio, así nos los presentan en series y otras referencias, pero para nada. Las tablas de encuentros estaban diseñadas para partidas rápidas y divertidas. Diseñas tu Dungeon, pones los monstruos y a jugar. En diez minutos, con un poco de imaginación, se te ocurrían mil aventuras. Los objetos mágicos, los tesoros y los hechizos, lo redondeaban. (Y los compendios de monstruos infinitos) Aunque lo cierto es que estaba un poco descompensado para los combatientes y tenía el punto debil de los PG. El Mago de nivel 1 tenía 4 puntos de vida como máximo, vamos que excepto el dardo, te podía matar todo. Eso sí, a parte de nivel 6 empezaban a molar mucho y si conseguías llegar a 10 eras un poder a tener en cuenta. Siempre y cuando tuvieses un buen guerrero y clérigo a tu lado. Por supuesto.

Con el tiempo el AD&D envejeció aún mejor, a pesar de lo que pueda parecer. Cuando abandonamos las mazmorras y los dragones, el título es perfecto, pues se nos abre un mundo de posibilidades. Por eso este juego tuvo un alto número de entornos de campaña asociados como Dragonlance, Forgotten Realms y los rarunos Ravenloft y Dark Sun. Estos los que llegaron a España, con Planescape, pero en América había muchos más.

Este juego marcó las bases para el rol. Y prácticamente todo lo que vino después, pantallitas, dados, tablas, niveles frikis olorosos con coletas se lo debemos. En su sencillez radicaba su belleza pues sus conceptos eran fáciles de comprender. Con el tiempo el sistema D20 se hizo "open licence" y se multiplicó como la peste porcina. De hecho la industria del rol de hace diez años se tambaleó por ello ya que se multiplicaron muchísimas editoriales y libros. No había mercado para todos.

AD&D puede parece un juego trasnochado, pero claramente puede utilizarse hoy en día, con alguna modificación de las que nos gustan a los roleros. Sin duda es superior a la tercera edición y probablemente también a la cuarta.

Personalmente lo he jugado bastante y me encanta. Tanto en las encarnaciones Dragonlance, como en otras personales, la flexibilidad del juego es impresionante, adaptándose a entornos políticos, orientales, fantásticos y de todo tipo. Para muestra un botón de mispersonajes más querido en AD&D.

Kyrol Stamd. Mi personaje preferido. Empezó siendo un arquero elfo vagabundo para acabar arrastrando una historia personal bastante terrible que le enfrenta a su medio hermano, quién cree ser el descendiente de un terrible elfo del pasado, casi un dios. Entretanto tuvo que elegir entre su amor de la infancia y su amor de la madurez (no una tostadora y una tarta) mientras intentaba que el país se salvase de la Guerra Civil, de un ejército de mutantes y de unos tipos que alteran la realidad. Va acompañado de un samurai que vive en modo flasback continuamente, con cierta tendencia a acumular enemigos del pasado, de un enano especializado en matar ninjas en todas circunstancias (y que por cierto por el caminó mató al Dios de los Enanos), del sobrino enano un tanto afeminado y tullido por una explosión, y de un bandolero al que le inyectaron la sangre del elfo terrible del pasado, o algo así, y que se convierte a pasoas agigantados en un monstruo propio del Resident Evil. Por todo esto, me río de Lost y sus guionistas de palu.

También hice una maga que se convirtió en niña pero acabó siendo la diosa del mundo y un gigante berserker con cierta fijación por los ojos de los enemigos y por las matemáticas que murió porque no sabía nadar (y por un hombre lobo)

Series: La salsa de la Televisión

2010-05-24T04:07:00.000-07:00

Las series son la salsa de la Televisión. Y también lo que les da dinero, y mucho. Fidelizan audiencias y, queramos o no, dan imagen de marca. Después de los telediarios, las cadenas se indentifican por sus series de ficción. Eso es más que evidente. Hoy recordamos tres guisos que yacen en las deuvedetecas del mundo, alguno recién salido del horno. Hemos elegido tres por sus características comunes. A saber: series ya acabadas, impacto en el mundo de la televisión (narrativa, cambio, dinámica interna) y en la sociedad general (noticias, fenómeno fan, filosofía de baratillo...).

TWIN PEAKS: ¿Quién demonios mató a Laura Palmer? Hoy en día una serie así sobreviviría dos capítulos en antena antes de convertirse en carne de zombis de filmoteca. Pero mira tu por donde, la gente que creció en los sofisticados ochenta, se enganchó a las pesquisas del agente Cooper, con enanos psicodélicos incluídos.

La serie no puede dejarse al margen de su perturbado creador: David Lynch. Durante 29 capítulos que se emitieron en dos temporadas, eran tiempos para la lírica y no para las box sets, américa se pegó a la pantalla, alucinados por lo alucinante que veían. Para más inri, la serie dejó cabos sueltos que enervaron, y enamoraron a los fans mundiales. Cabos sueltos no intencionados, sino que Lynch dejó porque había otros proyectos más interesantes.

Quizás los más interesante de Twin Peaks, además del misterio inicial que se fue multiplicando, fue que cada capítulo iba desentrañando los interiores de un pueblo "típico" americano. Ahí radica su éxito, basado sobre todo en un manejo del suspense y una simbología muy fuerte, además de tramas que no se cierran o lo hacen en falso. Envejece un poco mal, pero es sin duda la primera gran serie global.

EXPEDIENTE X: La tensión sexual más larga de la historia (incluso en Luz de Luna se casan). La serie, basada en las historias de hombres de negro del FBI, fue un rotundo éxito mundial y una máquina de hacer dinero. Y sin duda fue la serie clave de los 90, que renovó el hacer de las series policíacas y abrió un nuevo campo basado en la investigación paranormal. Lo que ha triunfado en los últimos años como CSI o Numbers, se basa, a su manera en Expediente X.

De todas maneras el éxito de la serie, además de su temática atractiva para todos lo públicos que supo enganchar a jóvenes y no tan jóvenes, fueron dos misterios. El primero la terrible, azorante y desconcertante tensión sexual no resuelta (si pongámonos técnicos) entre Muldler y Scully. Los personajes más asexuados de la historia de la TV mantenían una relación de quiero y no puedo que volvía locos a los fans. El segundo misterio, menos conseguido pero igual de debatido, fue el paradero de la hermana de Muldler. Se utilizó como trama recurrente (seguimos técnicos) pero al final no quedó para nada resuelta.

El capítulo final fue esperado por todo el mundo, pero lo cierto es que la serie había muerto de éxito. Con su propia película y con una marca brutal a sus espaldas no supo dar un final acertado. Aún así su mérito fue que supo morir, o supieron matarla, y no se convirtió en una amalgama de spin-offs (técnicamente secuelas) que alargase la franquicia. Podre Scully, se subía por las paredes.

24: La vida de Jack Bauer debe ser un puto infierno. Pero 24 puede considerarse la unión definitiva entre cine y televisión, o aún más, de internet, cine y televisión en uno. El formato más original de la historia y de más éxito. 24 horas continuas, con tiempo para los anuncios, en una carrera de contrarreloj.

La narración lineal llevada al extremo, en contraposición a otras series con flashbacks y flasfoward, permite que dejemos de lado todas las trampas de guión posibles. Acción pura y dura en vena que consiguió lo impensable. Que los actores del cine se pasasen a la televisión.

En el mutante panorama televisivo de principios de siglo, 24 ha supuesto un hito para conseguir llegar a la globalización total y también para que otras series se atrevan y arriesguen a nuevos modos narrativos. El espectador también ha pasado de seguir la serie, al enganche total de la misma.

LOST: Todavía tenemos el cadáver echando humo pero hay que meterla aquí. A pesar de que nos parezca la gran trampa moderna, hemos de reconocer que ha sido el triunfo de los últimos años, al menos a nivel comercial y todo eso. Lost supo que lo importante no estaba en lo que se decía. Tampoco en lo que no decía. Sino en lo que la gente de fuera decía. Vamos que bebió de internet, de sus dos antecesoras y encontró el nicho perfecto. La rumorología.

Un par de buenas tramas, un piloto buenísimo y mantener de vez en cuando el nivel, le permitió sobrevivir mientras lanzaba ganchos insulsos a los fans. Se le perdonaba todo. La serie se Globalizó y se convirtió en una tribu. Por otra parte se convirtió en un referente del uso de la narración no-lineal, abriendo el camino para nuevas épocas.

Todavía no sabemos, ni nos importa, el final de Lost. Pero lo cierto es que a nivel de mercado y también de narrativa, la cadena se adaptó a la serie y no al contrario, es un hito.

Estos son los guisos que hemos elegido, finalmente hemos decidido incluir Lost por lo que está suponiendo y porque, guste o no, es distinta a las otras que hemos o estamos viendo. Como veréis son guisos verdaderamente tramposos pero efectivos.

30 años de El Imperio Contraaca

2010-05-21T03:31:00.000-07:00

Sin El Imperio Contraataca, Star Wars no tendría sentido. Sin El Imperio Contraataca el fenómeno fan que arrecia ahora por todas partes no tendría sentido. Sin El Imperio Contraataca la vida sería menos maravillosa. Hoy se cumplen treinta años de su estreno. Loor y gloria a la obra maestra.

¿Por qué esta película, segunda de una trilogía, es tan buena y importante? Star Wars lo tenía todo para ser una aventura espacial inolvidable: princesas, luchas, persecuciones, Han Solo, naves espaciales. El Imperio Contraataca le dio una dimensión nueva al convertir una historia, en una saga completa, en una épica epopeya. La clave para esto es sencilla, tomad nota gañanes de hoy en día: los personajes.

Contra el desconocimiento general hemos de decir que esta película no está dirigida por George Lucas. Tras casi morir infartado en Una Nueva Esperanza, simplemente se dedicó al argumento, cediendo la parte del guión a Lawrence Kasdan y Leigh Brackett. La dirección fue a parar a manos de Irvin Keshner, sin duda de mayor talento de Lucas tras la cámara. Sin duda el hecho de que Lucas simplemente produjese, si se puede decir que eso sea pueda hacer simplemente, la película, hace que estemos hablando de un hito. Aún cuando Keshner no pasa de director mediocre.

La historia se centra en el desarrollo de los personajes y sus relaciones entre ellos, en miedo de otra nueva aventura más maligna y más siniestra. Entre tanto se nos explican más cosas, se nos presentan más personajes nuevos y la saga crece.

En medio de todo el ruido de combate el Hot, los AT-AT son históricos ya, persecuciones en campos de asteroides, superdestructores y combates a sable de luz en Bespin (vale más el combate de esta película que dura apenas siete minutos, que las horas y horas de la nueva trilogía), destacamos tres líneas argumentales maestras que dan sentido a todo esto. Lo sencillo se convierte en maestro, esa es la grandeza.

Darth Vader. La película es Darth Vader y Darth Vader es Star Wars. La secuencia final de Vader confesando a Luke su paternidad es grandiosa. Pero cada vez que aparece Vader en escena es para que la saga se convierta en épica: la muerte de sus subordinados, las cicatrices que se entrevén, su combate final. Una figura para la leyenda.

Yoda. No el Yoda saltarín y gilipollas que desgraciadamente nos venden. Yoda era un ermitaño oculto, que en principio parecía tonto pero que era el más sabio del universo. Sus lecciones sobre la fuerza son épicas, sus frases montumentales: "Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes", es un lema.

Han y Leia. La historia de amor canalla es brutal. La escena en el Halcón cuando besa a la princesa es sublime. Implica todo lo que los hombres queremos decir y las mujeres quieren escuchar. El "lo sé" final antes de convertirse en carbonita vale su peso en oro y condensa al personaje en sólo dos palabras.

Sólo tres pinceladas, de la magnitud que tiene el Imperio Contraataca como película, más que como objeto de culto. Una saga condensada en tres momentos. Y en una marcha imperial sublime.

Perdidos: adiós y gracias

2010-05-18T03:08:00.000-07:00

Personalmente creo que Perdidos es la segunda mayor gran estafa de la televisión del siglo XXI tras Águila Roja (serie que pagamos todos, no olvidemos). Yo no veo Perdidos (qué bonito es el castellano, para usar la palabra Lost, tan fea ella), por muchas razones. Algunas son prácticas, no tengo 144 horas de mi vida disponibles para tirar a la basura (o al menos esa basura), otras lógicas, si no he visto Los Soprano, no voy a ver Lost antes, y otras meramente sentimentales, mantener una postura de indignada indiferencia ante un fenómeno en el que no participo. Pero hay otras razones, más o menos intelectuales que intentaré desgranar.

Para empezar sigo defendiendo que Perdidos es una serie tramposa y que tendrá un final decepcionante, salvo que sea el sueño de Antonio Resines, con lo cual se cerrará el círculo y los Primigenios surgirán de Ry´la y nos devorarán por gañanes. Pero esto no va a ocurrir, lo que ocurrirá es que intentarán ser originales y habrá un final frustrante para todos. Intentarán salvar los muebles o, peor aún, justificar Spin Offs para sacar más pasta. Lo ideal es que muriesen todos, devorados por Osos Polares o por la Niebla que vuelve a la gente del revés.

Mi rechazo a la serie desde esta perspectiva viene de que considero injusto, muy injusto, que una serie tramposa triunfe tanto como una bien hecha. Y las ahí a patadas. Por ese motivo sólo veo uno o dos episodios de series españolas, o cinco minutos de Anguila Roja, y luego me sumo en el sopor. En Estados Unidos hay series muy grandes, no sólo Los Soprano, que de verdad funcionan desde el guión.

Originalmente Lost era una de ellas, pero apostaron por el filón equivocado, el filón de la trampa, el filón del espectador enganchado. Funciona, si. Frustra, también. O si no, me lo contaréis el lunes lunero. Es un insulto a la inteligencia que haya capítulos de cuarenta minutos insulsos, el único que vi hablaban de un puto cable en la playa y el gordo comía marisco en mal estado, grandes tramas sin duda, y cinco minutos de medio enseñar cosas. Da rabia que se desperdicie el talento y buenos momentos, que seguro que existen, por ese afán de dejarlo todo para el final. La Trilogía de El Señor de los Anillos necesitó 25 minutos de canciones y cámara lenta hobbit para concluir, Perdidos quiere acabarlo todo en cinco minutos y no puede ser.

Lo que no puede ser, no puede ser. Si estás concluyendo algo no puedes lanzar misterios y abrir tramas. Va contra natura. Acumular personajes y usar de manera compulsiva sueños, flashbacks y flaschfoward, es un recurso de folletín de los setenta (Lo que nunca acaba) y no de una serie buena. Así de claro. Perdidos probablemente sea una buena serie, pero sus pecados la condenan al ostracismo del olimpo de la televisión donde viven otras grandes series más consecuentes con si mismas. Lo grotesco es que Perdidos simboliza una tendencia emergente en estos años y se ha construido a base de ello. Lo único bueno es que esta tendencia tramposa ha sido utilizada inteligentemente y ha sido un éxito. Por ejemplo Flashfoward ha intentado usarla y se ha convertido en un fracaso.

Y luego está el fenómeno fan con nata. Los talibanes culturales son dignos de ser enterrados en fosas comunes de por vida para que allí cacareen sus mierdas hasta que suene la trompeta del Juicio Final y los Rolling Stones mueran definitivamente. Parte de la desgana que tengo por la serie viene de este fenómeno que ha crecido, a pasos agigantados. Es digno de mención y de estudio. Pero bueno, hasta las moscas adoran grandes trozos de ácida, jugosa y húmeda mierda.

Lo que más rabia me da, es que lo pasaréis bien y yo me mantendré al margen de todo esto. Así que enhorabuena, os han engañado durante 144 horas de vuestras vidas, espero que haya merecido la pena tirar a la basura seis días completos. Reflexionad en ello cuándo la Parca os visite. Yo me arrepentiré de ver Navy:Investigación Criminal.

Teledeporte: La cara amable de la TDT

2010-05-15T05:17:00.000-07:00

Antes, cuando sólo los que tenían antenas potentes podían sintonizar este canal, Teledeporte era una auténtica broza. Como canal de deporte cubría los mínimos, es decir emisiones deportivas bastante sencillas y minoritarias. No estaba mal, pero dejaba bastante que desear.

Con el tiempo y las plataformas digitales, la competitividad aumentó y curiosamente este canal mejoró de manera espectacular. El ente público decidió apostar por el canal e invertir y las emisiones mejoraron sustancialmente. Se compraron derechos y en general se avanzó muchísimo en el concepto de televisión deportiva. Comenzaron a aparecer programas especializados, emisiones de eventos en directo y todo tipo de contenidos espectaculares. La joya de la corona fue, y sigue siendo, la Premier League.

La TDT ha conseguido hundir todavía más la televisión, si eso fuese posible. Han proliferado canales de basura, de reemisión y los generales son, si cabe, todavía peores. Pero Teledeporte permanece como una florecilla que crece en medio de un sucio estercolero. La producción ha mejorado muchísimo y sin duda es uno de los más vistos de la nueva plataforma. Todo el mundo puede ver ahora Teledeporte y a fe que lo hacen. Los programas televisivos de deporte que antes se emitían en La2 han pasado este canal deportivo.

Este incremento de la calidad es una buena noticia en medio de un mar de mediocridad, de engaño o simplemente de desfalco directo a los contribuyentes, por ejemplo Cántame como pasó, insulto a la inteligencia humana y que pide a gritos que aparezca un par de sicarios con botes de gasolinas para limpiar el plató de Anne Igartiburu.

La única pega que puede tener el advenimiento de Teledeporte es que algunos deportes minoritarios que tenían cabida en la televisión, han sido desplazados: Fútbol, balomnano, ciclismo y tenis se reparten la tostada. Pero es un defecto menor, comparado con el gran potencial de emisión de eventos que tiene.

El deporte y la televisión son formas de ocio refinadas y avanzadas. Pero en estos tiempos que corren, el ocio es tan importante como cualquier otra cosa, porque supone la limpieza mental ante la basura que nos rodea y el engaño permanente en que vivimos. Teledeporte es una buena noticia para aquellos que disfrutamos liberando nuestra mente.

Iron Man II: Sin ritmo, sin gracia

2010-05-01T04:53:00.000-07:00

Visto lo visto con la primera parte, no es muy complicado hacer una buena película de superhéroes. Todo se basa en el ritmo, buen ritmo durante toda la película, que no apabulle pero que no aburra. Un par de líneas argumentales básicas y ya está. Con eso, ritmo, ritmo, ritmo, se le perdonan todas las licencias al cine de acción y todos los clichés requemados que nos puedan echar.

Iron Man 2 no tiene ritmo. Empieza a lanzar tramas, ideas, líneas argumentales, personajes y todo tipo de situaciones durante la primera hora que se convierte en un batiburrillo de cosas en las que no pasa nada. O pasan demasiadas cosas pero ninguna importante: que si Iron Man se muere, que si le roban una armadura, que si presentamos a dos villanos, que si Peeper está agobiada, que si metemos una trama continuista para lanzar los Vengadores. Todo se enmaraña mucho, lo que se puede enmarañar un argumento de una película sobre un tipo que se pone una armadura para salvar el mundo. Se tiran ideas buens a la basura y otras bastante malas se focalizan demasiado.

Así va pasando la película sin pena ni gloria. Sin gracia. Demasiado buena. Entonces, ¿cómo podemos aguantar el tipo hasta el final? Sencillo. En medio de este caos de intenciones perdidas aparece un humor canalla, nada infatil y música de AC/DC. Por suerte, para los amantes del género, con esto basta. La pinceladas de macarradas adulta y alguna que otra escena trepidante salvan el día.

Estas macarrada aparecen cuando finalmente se deja al protagonista, Robert Downing Jr, entrar en acción. Un par de escenas reposadas del tipo borracho o tratando de explicar sus sentimientos, elevan el segundo tramo a un nivel bastante mejor. Por otro lado el villano, ejecutado por un desconcertante y magnético Mickey Rourke, da la talla, aunque se echan de menos más escenas para su gloria. Es decir, que la película se salva del fiasco por la actuación de dos actores que han resurgido de sus cenizas, de lo más hondo. La guinda a esta resurección la pone San Rockwell y su histriónico malvado. Este Rockwell se merece buenos papels porque es un actor muy solvente en todas sus intervenciones.

Pero las malvadas peripecias de Downing/Starck no son suficientes para conseguir que esta película de el nivel de la primera parte. Poca gracia para tanta expectativa.

La leyenda de Madre Sarah: Ciberpunk zen

2010-04-28T02:52:00.000-07:00

Katsuhiro Otomo poco tenía que demostrar tras Akira. Bien podría sentarse a vivir de las rentas y pasar a la eternidad, al Olimpo de los artistas. Pero decidió seguir escribiendo y, más ocasionalmente, dibujando. Cuando se publica una obra maestra de tal magnitud como al epopeya japonesa de Akira, el siguiente trabajo en un caramelo envenedado. El listón está tan alto que lo más probable es que sea un fracaso, por muy bien que esté realizado. Pero Otomo, y la cultura japonesa en general, están preparados para asumir estos retos con tranquilidad y trabajo. Mucho trabajo.

La libertad creadora de la que gozaba le permitió escribir La Leyenda de Madre Sarah. Una fantasía ciberpunk postapocalíptica sobre la búsqueda de una madre en un mundo devastado. Demasiado trillado, demasiado manido, demasiado típico. O quizás no. Quizás a partir de una historia conocida y reconocible se pueda concebir una estética que aunael ciberpunk con el estado interior zen. Otomo lo consigue.

Con una clara inspiración occidental tanto en el diseño, como en los argumentos, (las referencias a Terminator, incluido el nombre de la protagonista son muchas), Otomo escribe una historia que se basa en los visual. Pero no es un espectáculo visual gótico y sobrecargado, sino en un diseño puramente zen, tranquilo pero no pausado, equilibrado pero no frío, austero pero no vacío. El mayor ejemplo de este estilo es un combate a puñal y cara de perro entre dos personajes que se alarga durante aproximadamente quince páginas, con un nivel de realismo y detallismo inaudito. El trabajo de Takumi Nagayasu, quien reconoce abiertamente que nunca había dibujado cosas tecnológicas, es encomiable.

No obstante la búsqueda de este equilibro narrativo visual y la corriente occidental que lo empapa todo desluce los elementos argumentales y los personajes. Está concebida como una serie de aventuras independientes con un hilo narrativo vago, pero sus pasos se encaminan hacia un final poco atractivo. Cada capítulo, e incluso, cada parte de los capítulos es intenso y desgarrador, pero en conjunto queda deslucido y muy borroso. A esto hay que sumar los personajes, bastante planos, y que rápidamente se queman todas las naves con la protagonista, Sarah: en un tomo ya no tiene secretos, su personalidad está completamente desarrollada y simplemente es un canalizador de las aventuras.

A pesar de estas carencias, no todo va a ser Akira. La Leyenda de la Madre Sarah, es un manga muy recomendable y de gran nivel. Altamente cinematográfico y con una dinámica interna sublime y delicada.

Una aproximación a The Pacific

2010-04-13T13:40:00.000-07:00

El estreno de la miniserie The Pacific ha sido el acontecimiento del año en el plano televisivo. Allí y aquí, porque Canal + ha tenido la grandiosa idea de emitir la serie el mismo día del estreno con las, lógicas, horas de retardo. Gran idea y señal de por dónde pasa el futuro de la televisión. Aunque una serie de esta magnitud debe ser vista completamente para poder comprenderla, tras cinco capítulos estamos en condiciones de hacer unas consideraciones.

La primera es que técnica, formal y estilísticamente es perfecta. Es cine para televisión si ese concepto pudiese existir. No sabría decir si son películas de una hora seriales, o una película dividida en capítulos, o capítulos que podrían ser películas. Como sea es la sublimación de una tendencia que aúna las dos pantallas y que las engrandece mutuamente.

Era de esperar esta perfección por la inversión económica y el capital humano que hay detrás. Pero realizar estos capítulos sin saber la reacción del público, distinto al que paga entrada, es un riesgo muy valiente. La serie ha sido cara, en un capítulo se gastaron un millón de dólares en ceniza para rememorar Iwo Jima, pero va a ser rentable en todos los aspectos. Aún así lo mejor no es su rentabilidad, sino que nace con la idea de contar una historia, casi una necesidad. HBO, canal de pago, puede permitirse estas barbaridades y sin duda nos muestra cómo debería ser el modelo televisivo: target segmentado, calidad y pago por visión. No queda otra. El arroz para todos debe acabarse por el bien de la televisión española.

Hablamos de la necesidad de contar una historia. Por lo visto en The Pacific hasta ahora, la serie es una especie de catarsis. Contar lo que pasó en esa guerra es necesario para los americanos. El frente pacífico no es tan conocido, tan popular y tan legendario como el europeo durante la II Guerra Mundial. Pero fue igual de trascendente o incluso más. Y ese frente se lo comieron, en gran parte y no del todo, los americanos crudo. Allí se enfrentaron a la guerra contra un enemigo duro como pocos, bien dirigido y realmente temible. Allí murieron miles y miles de marines sin un cementerio belga que les recuerde. Fue la trastienda del conflicto y en la trastienda siempre hay trapos sucios.

La serie se plantea a partir de tres personajes reales y sus memorias. A pesar de sus altibajos vemos que es más cruel, más real, más compleja que su antecesora Hermanos de Sangre. Quizás sea también el tiempo en el que nos movemos, donde ya no nos impactan las imágenes de Salvar al Soldado Ryan y necesitamos más litros de hemoglobina. De todas maneras el sufrimiento y las consecuencias de la guerra son el eje principal de esta serie.

La comparación con Hermanos de Sangre también debe tenerse en cuenta. Hemos comentado que es más cruel, si cabe, y más violenta que su hermana mayor, por el momento. Más bien habría que decirse que es más visceral y visual. Otra de las diferencias a tener en cuenta es que la historia de los soldados en aquel infierno tiene un tinte menos heroico que la de la 101 Aerotransportada. Es cuestión de carisma. Los paracaidista que decían "estar copados es lo nuestro" nos caían bien, eran heroicos, eran simpáticos, se les perdonaban los pecados y se sufría por todas la batallas claves en las que participaban y morían. Los marines de Guadalcanal son pobres diablos a punto de ser despellejados y nos inspiran lástima más que simpatía.

Pero aún es pronto, muy pronto para comparar y sacar conclusiones. Hermanos de Sangre era, y es, magnífica y tiene dos o tres capítulos grandiosos y uno sencillamente magistral: el del campo de concentración de judíos. The Pacific va camino de ello, todavía le queda mucho que mostrar.

Dinastía de M: Psicología Marvel

2010-03-27T16:19:00.000-07:00

Cuando Marvel se pone profunda resulta extremadamente pedante. Demasiados crossovers basura y pretenciosas series acaban por matar la esperanza. Dinastía de M parecía que iba a ser una decepción más. La idea, básicamente, es que el mundo se ha convertido en una utopía mutante en el que la Dinastía de Magneto gobierna. La gracia es ver que todos los protagonistas del Universo Marvel han cumplido sus mayores sueños y tienen lo que quieren. Para el espectado la gracia está en descubrir que fue de Lobezno, de Spiderman y de la Patrulla X.

Demasiadas similitudes con la saga de Apocalipsis, que sólo afectó al universo mutante, como para no sospechar. Pero, contra todo pronóstico, Dinastía de M se convierte en una historia divertida y bastante buena para todo aquel que conozca el universo de Stan Lee. El éxito radica principalmente en dos características: la sencillez y el cariño en el tratamiento a los personajes.

El crossover es sencillo y fácil de seguir. La miniserie de Dinastia de M es bastante claro, por contra de lo que dicen de los capítulos del resto del crossover. Todo ocurre a la luz, todo se explica bien y todo tiene sentido, sin narraciones extrañas, sin tramas trampa, sin nada raro.

Esta sencillez ayuda a la segunda gran característica del crossover: los personajes. La serie presta atención a las reacciones de los distintos héroes que van recuperando su memoria más que su vida en la utopía mutante. Y eso es un éxito. Cuidan especialmente la reacción de Spiderman, clave del buque Marvel: Peter se vuelve loco y violento, pierde el sentido y finalmente lo acepta. No es para menos. En la vida de Dinastia de M, Parker también es Spiderman, no tiene identidad secreta, pero es famosos y querido, su tío esta vivo y tiene una vida idílica con Gwen Stacy. Todo eso se convierte en mentira en sólo unos momentos. Gran capítulo. Gran personaje. Igual que Ojo de Halcón, que también se convierte en siniestramente humano al buscar venganza o Magneto, villano a su pesar.

Si prescindimos de los giros argumentales necesarios, como líneas temporales o universos paralelos, del dibujo desalmado y de la falta de precisión en las escenas de acción, nos quedaremos con un gran crossover que, aunque no deja de ser una herramienta de marketing, satisfará a todos los aficionados a los cómics Marvel.

God of War III: Un nuevo lenguaje ha llegado para quedarse

2010-03-25T02:57:00.000-07:00

En los primeros veinte minutos de la partida ya he desmembrado a innumerables enemigos, he eviscerado a un centauro y le he ahorcado con su propios intestinos, arrancado la cabeza a un minotauro y bañado a Kratos, el protagonista de esta oscura saga, en sangre. No me alarmo, en el embalaje, en el CD y en todas partes me dicen que es un juego para mayores de 18 años. Si algún padre se lo compra a su hijo, pues peor para él. El no conocomiento de la ley, no exime de su cumpliento.

Mientras todo esta violencia se desparrama frente al Fantasma de Esparda me encuentro enfrentándome nada menos que a Poseidón y sus caballos de agua en el lomo de un titán de tierra, Gaia, que escala el Monte Olimpo. La maravilla técnica que me permite jugar esto está fuera de la comprensión de las mentes profanas. Finalmente Kratos, o yo, ya no estoy seguro que quién, da un paliza nazi a Poseidón, le arranca los ojos y le arroja por la ladera del monte. Ríe y reímos.

Es un nuevo lenguaje, el lenguaje de la inmersión total en el que vives la historia a través de un protagonista. Pero aún hay más. No sólo es la experiencia que sobrepasa lo lúdico, sino también la historia, el ambiente y todo lo que rodea a un "simple" videojuego.

God of War es el mejor ejemplo de esto. Nacido ya hace varios años en la PS2, es una saga que ha conseguido marcar el mercado. Además tiene elementos claramente reconocibles que la hacen única y que engrandecen la experiencia: su historia basada en los mitos griegos conocidos por todos (la interpretación de la Guerra contra los Titanes o el diseño de los dioses), un concepto ultraviolento, un antihéroe con una turbia historia detrás que le hace humano, un diseño magistral, ámbientación única, acción a raudales y una jugabilidad apabullante. Definidor de un género. Algo que sólo el tiempo podrá poner en su lugar.

El trabajo coral tras God of War es reseñable. El motor gráfico es impresionente, la potencia técnica que permite desarrollar combates contra dioses en medio de un escenario en llamas o el diseño de los escenarios y cómo se mueve nuestro protagonista son brutales. Por no decir la facilidad de juego y la gran capacidad de transmitir esa sensación de violencia en tu aporreo del mando.

Pero no todo es técnica. El desarrollo conceptual, el guión, la música, las tramas, los detalles son todavía más impactantes, más grandes, mas integradores en la inmersión total. Y en medio de todo esto se alza la figura del protagonista absoluto: Kratos, el Fantasma de Esparta, traicionado por los dioses, dispuesto a llevar a cabo su (sangrienta) venganza a toda costa. Conocido por su imagen en todo el mundo, con su cara en marquesinas de las principales ciudades españolas.

Una saga clásica en un medio del siglo XXI.

Un lenguaje completamente nuevo que integra todo lo anterior.

Star Wars in concert: Banda sonora de una vida

2010-03-22T08:46:00.000-07:00

El fan medio de Star Wars, aquel que se compraría una camiseta pero no un disfraz de Wookie, tiene que soportar muchas tropelías. Tiene que aguantar que se le tache de friki, que se rían de su afición y, normalmente, de su talla de ropa. Pero lo peor que tiene que aguantar es la baja calidad de los productos derivados unas películas, o más bien un universo, que honra y cultiva. De eso no tiene más culpa que George Lucas que ha ido envolviendo con capas de cebolla la genial trilogía hasta hacerla al punto irreconocible, como en los tres abortos de precuela que nos hizo ver. De todas maneras el fan medio tiene paciencia, mucha, y se traga lo que sea. ¿Por qué lo hace? Pues porque de vez en cuando, cada vez menos lamentablemente, aparece un producto, espectáculo o idea que merece la pena. Que vuelve a traer la magia de las galaxias.

Star Wars: The Concert es sin duda uno de estos productos. Una idea tan sencilla, tocar la banda sonora con una orquesta sinfónica, que es de extrañar que no se haya hecho antes. En el universo Star Wars hay dos cosas que son intocables para todos: Darth Vader y la banda sonora. Y no hay que saber mucho de cine o de música, o de ambas, para ver que la partitura de John Williams es simplemente lo mejor de todo este universo cultural generado a lo largo de más de treinta largos años.

Musicalmente el concierto fue impecable. Como si escuchásemos un CD a buen volumen en un reproductor digital y con unos auricurales de primer orden. A veces, la mayoría, tenía que volver de los mundos evocadores de las canciones de Williams para darte cuenta de que allí abajo había una centena de personas haciendo esa música en directo. No hablamos de tonterías, hablamos de una Sinfónica. Una maravilla musical.

El tema más aplaudido fue la Marcha Imperial, lo que deja claro los gustos de la audiencia. De hecho emplearon el tema para cerrar el primer acto y también como bis final apoteósico. En esta segunda marcha, para quién no lo sepa es la canción que aparece con los Superdestructores al principio del Imperio Contraataca, los músicos y el director echaron el resto. Ver a los violinistas encorvados tocando la Marcha Imperial con gran énfasis fue realmente espectacular. Un broche perfecto. El final soñado.

Otras piezas que gustaron mucho, como era de esperar, fue la introducción a cada parte y la canción de Luke Skywalker. La música de la cantina, interpretada por una sinfónica, fue también muy divertida, con un toque a los años 20. Donde se patinó un poco fue en los coros, todos de la nueva trilogía, que desde luego no estuvieron al nivel. Una lástima porque las canciones de las bandas sonoras son lo único destacable en el despropósito del nuevo milenio de Lucas.

La puesta en escena, a cargo Anthony Daniels, actor que interpreta a 3-CPO fue muy divertida y amena. Pero aquí acabo todo. Ni grandes efectos especiales. Ni gran derroche imaginativo en la presentación, sólo las imágenes de las películas una y otra vez. Es un poco frustrante que ante todo este universo marquetiniano no sean capaces de dar algo nuevo y fresco a los fans. La música fue genial pero las imágenes podrían haber sido seleccionadas por un becario sin nada mejor que hacer, excepto en los casos de Darth Vader y el homenaje final a la saga y a Williams.

Eso es una de las marcas de la casa Lucas, la tendencia a tocar el cielo con una mano para luego culminar las obras de manera chapucera y para nada satisfactoria. Algo más de espectáculo, algo más de magia, algo más de Star Wars no hubiese sobrado para acompañar las magníficas melodías de esta saga moderna. Pero los fans ya estamos acostumbrados a estos patinazos.

Un microespacio de crítica personal

2010-03-21T14:23:00.000-07:00

La historia de "Lo que mis gafas ven" es casi tan antigua como el propio Ratacol Project y muy querida entre los lectores. Originalmente nació como un blog de crítica independiente, pero con el tiempo se agregó a la desaparecida (y querida) bitácora: "Desde mi Caverna", como una sección.

Ahora se convierte, por derecho propio, en el primer blog de la nueva fase de The Ratacol Project. Como decimos la idea de este proyecto es crear microsites temáticos independientes y personales. Así que inauguramos este espacio dedicado a la crítica de todo, absolutamente todo, lo que vemos relacionado con el arte.

De esta manera aquí podemos encontrar crítica de cine, crítica de música (menos por motivos de conocimientos), crítica de espectáculos, crítica de televisión (de todo tipo y pelaje) y, por supuesto, crítica de videojuegos. De vez en cuando aparecerán otras cosas relacionadas con el mundo del arte y de la creación artística, pero básicamente encontraremos estas secciones.

Lo que nunca encontraremos aquí es crítica literaria. El motivo es claro, sencillo y personal: no nos gusta recomendar libros. La lectura, para mi, es algo íntimo, personal y maravilloso. Considero que para hacer una buena crítica de un libro hay que haber leído mucho y también escrito. Muchos dirán que esto es aplicable a todo tipo de crítica. Bien, es posible. Pero aquí la norma es que no recomendamos libros, ni hablamos de ellos.

Finalmente decir que este es un blog abierto. Es un concepto que se desarrollará en el futuro en el proyecto, pero, mientras tanto, si alguien quiere enviar alguna aportación de la temática de la que hablamos, bienvenido sea.

Como siempre encontraréis el blog en la web The Ratacol Project.

Esperemos que os guste.